Mostrando las entradas con la etiqueta revisiones a discos. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta revisiones a discos. Mostrar todas las entradas

domingo, 8 de mayo de 2011

El posible reemplazante de Osama Bin Laden en Al Qaeda fan del Death Metal

Con la reciente eliminación del terrorista Osama Bin Laden, la semana pasada por la Marina de los EE.UU. Los seals, la CIA y el FBI están a la espera de quien sera el # 1 de Al Qaeda. Una de las posibles opciones que la CIA ha puesto de manifiesto es Adam Yahiye Gadahn, un estadounidense que vive en Pakistán.

Gadahn se convirtió al Islam a los 17 años mientras vivía en Santa Ana, CA. Después de golpear a su mentor y no seguir a acatar el servicio a la comunidad impuesto como pena, Gadahn huyo a Pakistán, donde se unió a Al-Qaeda y se convirtió en el propagandista principal de la banda terrorista. Luego pasó a inspirar y participar directamente con los videos de Bin Laden y las advertencias de terror.

Lo interesante de Gadahn es que cuando era un adolescente en Santa Ana, formó una banda de death metal llamado afasia. En la primera mitad de los 90, también fue un escritor que contribuyo a una revista metal local llamada "Genocidio" del Sur de California, donde entrevistó a bandas, escribió comentarios sobre álbums. Tal vez si alguna vez capturado, la CIA debe pensar en otras bandas para torturarlo, además de death metal.
 Aca unos de los articulos q escribio sobre unos demos

HELLBOUND - Apocalyptic Visions (demo '92)
Aunque Hellbound de Nueva York se hacen llamar una banda de thrash/Death, Tiendo a estar en desacuerdo con eso. Para mis oídos, suenan más como una mas thrasher versión de Atheist o Sadus, posee una prominente bajo y voces gritando, de esas bandas, pero con la más simple, menos enfoque técnico de bandas como Vio-lence, DRI, o el Exodus. Su baterista, sin embargo, tiene su propio estilo muy fresco que "exige que sea escuchado " Amazing! que se trata de su debut de Hellbound mostrando su profesionalidad en ambos instrumentos y cantar a lo largo de los cuatro canciones en visiones apocalípticas. Las dos últimas canciones, "My Guilt is Silence" e "Infernal Ecstasy", absolutamente rabioso! Y la guinda del pastel es la impresionante producción - grabado en un equipo de 16 pistas, todos los instrumentos pueden ser escuchados con claridad, con batería y el bajo brillando a través de todo! Todo un debut! HB debe tener un nueva demo en el momento en que usted lea esto, pero consigue su primer esfuerzo brutal por el envío de una cinta en blanco y el pago para enviarselo

Damnation - Volume Two (demo)
San Diego, California, el trio Damnation han estado tocando juntos desde finales de 1990, y el Volumen Dos, su segundo trabajo (por supuesto), esta hecho profesionalmente, musicalmente maduro que, por desgracia, carece de composición. La cinta de dos canciones es bastante aburrido con letras sobre la locura y las pesadillas, genéricos de Sodom / Kreator al estilo thrash / death, y monótona voz de Jorgen Sandstrom. Dicho esto, las canciones crecen después de unos pocas escuchadas, pero no he tenido la tentación de reproducir constantemente, como lo hice con, por ejemplo, Timeghoul! Como dije, la cinta está embalada y registrada, con una producción excelente (este es el sonido que Timeghoul debería haber tenido).

sábado, 16 de abril de 2011

Revision de Artillery - My Blood

Artillery es una banda de Thrash Metal que en los últimos años ha trabajado con más regularidad, solo les tomó dos años para publicar su más reciente material llamado My Blood y tras su anterior disco When Death Comes un disco que tuvo muy buena acogida y que realmente valió la pena. My Blood es un disco que no se queda atrás, donde se caracterizan la claridad en cada uno de sus temas, además lo técnico en la elaboración de los mismos, tienen matices bastante creativos que le dan un toque especial al disco. Un disco que sale bajo el sello Metal Mind Productions a finales de marzo y que se convierte en uno de los más esperados en la escena Thrash Metal mundial.

El disco arranca con Mi Sangre (The Blood Song) una canción que inicia un tanto suave con guitarras acústicas y algunas ambientaciones de fondo para luego pasar a esos inminentes riffs de guitarra que se complementan perfectamente con una batería no tan típica del Thrash pero que a fin de cuentas logran dar un inicio espectacular. Monster mantiene melodías similares a las del tema anterior con respecto a las guitarras, es agresiva desde el inicio y tiene ese sonido Old School del Thrash Metal, mantiene esa línea agresiva sin perder en ningún momento la energía, un gran tema de este disco. Dark Days es una canción más tranquila en ciertos momentos donde el doble bombo toma presencia, las guitarras en ciertos momentos también lo hacen y dicho sea de paso el solo de guitarra es sencillamente genial. Con Death Is An Illusion Artillery demuestra lo agresivo de sus riffs y de su forma para ejecutar cada uno de los instrumentos, una canción que vale la pena y que representa la esencia de Artillery.

Ain´t Giving In inicia un tanto lenta con arreglos de guitarra acústica y una batería que marca el tiempo de la canción con su bombo, a medida que la canción avanza se torna con más fuerza pero va cambiando el nivel de intensidad y que es parte de las ideas que siempre ha manejado Artillery. Prelude To The Madness es solo un pequeño intermedio que apenas supera el minuto de duración, esta compuesta a base de guitarra acústica y un pequeño solo para así dar paso a Thrasher. Thrasher es una de las canciones más duras y rápidas del disco y quizás el nombre de la canción así lo requería, uno de los mejores temas del disco que le gustará a la gente. Warrior Blood fue la canción elegida como promocional antes de la publicación del disco, una canción bastante buena que resume en esencia lo que es Artillery, nada que ocultar y mucho que mostrar. Cancealed In The Dark arranca con un pequeño solo de bajo, una canción que mantiene la línea más agresiva de Artillery, es uno de los buenos cortes de este disco que no pasará por alto tan fácilmente.

End Of Eternity tiene un inicio suave que dicho sea de paso similar al de la mayoría de las canciones de este disco, el tema se desenvuelve de gran forma y se torna bastante interesante. The Great es la última canción de la edición tradicional del disco, un cierre bastante bien logrado y merecido, una canción que no así como la gran cosa pero para cerrar esta bien. En la versión de Digipack hay dos bonus Show Your Hate y Eternal War temas bastante buenos que a decir verdad se pudieron haber incluido en todas las versiones de la edición del disco, pero eso ya es decisión de la banda y sus compañías discográficas.

En fin un disco bastante bueno por parte de los daneses de Artillery, técnico, bien elaborado, una producción impecable y una calidad musical sobresaliente, el disco por momentos desengancha con algunos temas pero nunca deja de ser un gran álbum, para los amantes de Artillery pueden estar tranquilos que este será un disco que no los defraudará.
 Fuente: Metalicos

martes, 8 de marzo de 2011

Revision de Helloween - 7 Sinners

Este disco es un discazo helloween. Helloween de nuevo ha vuelto a rompernos la cabeza!

Con un sonido rudo de guitarra arranca el último disco de HELLOWEEN. Pueden valer tan solo los primeros segundos de este “7 Sinners” para hacernos una idea de las intenciones de los otrora reyes del power. Tras un extraño y muy criticado “Unarmed”, en el cual revisaban sus 25 años de historia a base de versiones de sus grandes temas de forma totalmente alejada del metal, HELLOWEEN quieren volver a la primera fila con un disco muy heavy y muy directo.

Riffs muy potentes, y con una oscuridad más cercana al “The Dark Ride” que a los temas más “happy” de los “Keepers...” que consiguen mantenernos a la escucha, y eso es algo que personalmente HELLOWEEN llevan unos cuantos años sin conseguir. Pocas concesiones a los ritmos más templados, y es que el predominante de “7 Sinners” es la base rítmica, con un Dani Löble puesto a prueba y pasando el examen de largo, y un Markus Grosskopf que poco tiene que demostrar y a nadie. Base potente y donde predominan los doble bombos que permiten a Sascha Gerstner y Michael Weikath sentirse agresivos y demoledores con sus riffs, así como afilados en los punteos y solos. Para acabar de dar forma a todo, Andi Deris se vuelve más oscuro, sin abusar de agudos y manteniendo un registro muy templado y potente. No cabe duda de que sigue siendo uno de los mejores vocalistas de metal de la historia, no solo por su voz, sino por su técnica y buen hacer, adaptándose siempre a los temas de forma inconmensurable.

Entrando de lleno en el disco, no nos encontraremos con ninguna intro como solía ser habitual. Directamente arranca el riff de “Where the Sinners Go”, potente, aunque más lento de lo que será la tónica general del disco. Efectivo como primer tema, pues habría pasado inadvertido en cualquier otra posición, y es un tema corto y bastante repetitivo, con un estribillo que no puedes quitarte la cabeza. Empezamos bien, sin ser especialmente brillante, pero con las ideas aparentemente muy claras. Sigamos. “Are You Metal?” suena tan metalera como su nombre hace dudar. Single del disco con ritmo contundente y machacón, guitarras agresivas y un Deris tremendo e igualmente agresivo. Se escapa un poco de lo que estamos acostumbrados a oír de HELLOWEEN, y el riesgo tomado creo que ha valido la pena.

“Who is Mr. Madman?” arranca con los silbidos iniciales de “Perfect Gentleman”, y efectivamente es la continuación de aquel tema. Poco tiene que ver el tema con el del “Master of the Rings” más allá del inicio. Este es más contundente y oscuro. Curiosa interpretación de Sasha Gerstner de aquel personaje, y gran tema en general, pese a que no recuerda mucho al sonido HELLOWEEN habitual. Ahora sí nos vamos al power más clásico, al que más nos han tenido acostumbrados durante toda su historia. “Raise the Noise” es igualmente duro en los riffs, pero tiene ese aire “helloween” tán difícil de explicar y tan jugoso. Estribillo pegadizo, y extrañísimo solo... ¡de flauta! Si, no podemos olvidar que los vaciles siempre han sido tónica general en los discos de HELLOWEEN a lo largo de toda su historia.

Seguimos con más temas pegadizos, pues parece que han encontrado la máquina de fabricarlos, y lo han aprovechado al máximo. “World of Fantasy”, de la mano de Markus Grosskopf, nos trae un tema cañero, muy power e ideal para los directos, de esos que te dejan con una sonrisa tras su escucha. Estribillo pegadizo al máximo y labor vocal excelente.

No hemos llegado ni a la mitad del disco, y tras buenos temas, sin ninguno que flaquee, parece que el subconsciente nos hace esperar algún tema de bajón. Pues no será el caso. “Long Live the King” arranca con un riff y un doble bombo de lo más agresivo que hemos escuchado nunca a los alemanes. A priori no podríamos decir que es un tema de HELLOWEEN sino es por la voz de Deris. Genial, y con la emotiva dedicatoria a Ronnie James Dio.

Llegamos justo a la mitad, y nos encontramos con el parón que supone “The Smile of the Sun”. Medio tiempo que cobra fuerza en su parte media, genial y lleno de emociones. Recomiendo un par de escuchas para poder apreciarlo, pues a la primera pasa bastante desapercibido. Tras él, volvemos a la caña con “You Stupid Manking”, de nuevo obra de Sasha, con riffs oscuros y de afinación bastante grave, pero que pese a ello no deja de ser un tema con muchas reminiscencias power, principalmente en el estribillo.

“If a Mountain Could Talk” no baja el ritmo y resulta muy eficaz con esa mezcla de riffs contundentes sobre base machacona, con punteos tipo “happy” que hacen que no pierda la identidad de la banda, sobre todo al llegar a los coreados y pegadizos estribillos. Más punteos y estribillos pegadizos en “The Sage, the Fool, the Sinner”, con un ritmo un poco más calmado y que perfectamente habría tenido cabida en algún “Keeper of the Seven Keys”.

Llevamos diez temas, nos faltan cuatro y parece un sueño que ninguno baja la media. Más lo pensamos con la siguiente “My Sacriface”, un auténtico temazo, una joya en bruto. Tremendamente pegadizo y sin cansar, con un Deris dándolo todo en los estribillos, predominantemente de tonos altos. Llegamos al final, y tras el interludio de “No Yet Today”, nos viene “Far in the Future”. El tema más largo del disco, que recuerda mucho a lo que serían “Keeper of the Seven Keys” o “Halloween” en los respectivos “Keepers”. Un tema de composición no típica, siguiendo los esquemas de lo que el propio tema parece pedir, y lleno de épica. Una tremenda composición para cerrar de manera magistral este “7 Sinners”.

Tras lo dicho, creo que poco más se puede añadir. Solo sea remarcar la mejor de las sensaciones que tras la escucha nos queda: trece temas de unos cuestionados HELLOWEEN que en ningún momento flojean, sin nada de relleno y adaptándose muy bien a los tiempos que corren. Han sabido abrir nuevos caminos con este disco sin distanciarse de su marca característica, y eso, a estas alturas, parecía algo imposible de conseguir.

Bravo por ellos, sus fans (entre los que me incluyo) estarán muy satisfechos. Nunca se puede dar por muerta a una banda, y HELLOWEEN lo acaban de demostrar.



Tracklist:
01. Where The Sinners Go
02. Are You Metal?
03. Who is Mr. Madman?
04. Raise The Noise
05. World Of Fantasy
06. Long Live The King
07. The Smile Of The Sun
08. You Stupid Mankind
09. If A Mountain Could Talk
10. The Sage, The Fool, The Sinner
11. My Sacrifice
12. Not Yet Today
13. Far In The Future
Fuente: Metal Total

miércoles, 2 de marzo de 2011

Revision de Kamelot - Poetry for the Poisoned

Poetry for the Poisoned es la novena producción de la banda estadounidense Kamelot, que en 2010, después de una larga lista de cambios en la alineación original de sus integrantes, muestra también la evolución en su sonido, y rompe un poco con los parámetros básicos del power metal, para reencontrarse con melodías atmosféricas complejas más bien correspondientes al metal progresivo.

Lo que más claro queda en esta producción, es que diferentes géneros y elementos pueden ser mezclados para obtener un producto de calidad, que tal vez a los que prefieren el lado mas power de la banda, pueda decepcionar un poco, pero que a los melómanos y amantes de la música, seguramente dejará muy complacidos.

El disco abre con The Great Pandemonium, enseñando desde esta primera entrega, que va a utilizar elementos electrónicos (secuencias) para enmarcar los componentes de metal, en este caso, con corte industrial. La voz de Khan, vuelve a ser un elemento destacado, con un coro muy dulzón, que curiosamente lleva de fondo unos poderosos growls del vocalista invitado Björn “Speed” Strid. Progresiones de guitarra salpicados de harmónicos artificiales en un solo que va muy ligado a la línea melódica, con una contundente batería que va “in crecendo”, para culminar con un espontáneo silencio.

If Tomorrow Came, tal vez es una de las canciones más débiles del disco, pues a pesar de que hacen aparición los primeros riffs cerrados, también es notoria la producción de estudio, un coro con tintes más bien comerciales, dando un efecto de demasiada “limpieza” para el género, y abusando bastante de la secuencia. Lo muy rescatable, es la batería, que se mueve desde ritmos groove muy cortos y simples, hasta una ametralladora de bombos bastante contundente por parte de Cassey Grillo.

Dear Editor, es más que canción, una especie de pre cuela vocal que preside a una de las mejores canciones del disco, si no es que la mejor, The Zodiac, melodía compleja con letra oscura, que si bien no es la más pesada, si tiene una estructura llena de melancolía, provocando un vaivén de emociones, reflejados en las partes fuertes que van de forma intermitente con partes más bien acústicas, y aunque la producción no pudo evitar el incluir voces y sonidos de fondo en estudio, creo que fueron perfectamente logrados, culminando con el sonido de la lluvia que arrastra las últimas notas.

Hunter's Season, si bien no aporta nada nuevo, tiene partes muy rescatables en cuanto a cambios de ritmo sin cambiar el “tempo”, y con partes líricas de verso largo, que siempre se agradecen. El solo es ejecutado por el músico invitado Gus G, el influyente guitarrista de Grecia, que nos recuerda el porqué de su fama.

Si bien Kamelot nos ha demostrado en diversas ocasiones, que la composición de baladas se les da con gran facilidad, en House On A Hill es más bien un alarde, una canción hermosa, con una letra profunda, y todo esto coronado con la atinada participación de Simone Simmons, que con su hermosa voz, hace de esta una canción memorable.

Necropolis es una sacudida después de la suavidad de la canción que la precede, que a pesar de estar compuesta sobre un tempo bastante lento, empareja los instrumentos en armonías pesadas y complejas, dando mucho “punch”, aunque creo que es un desatino acabar con un simple fade out.

My Train of Thoughts, sigue sobre la misma línea de utilizar secuenciadoras como base para enmarcar la canción, pero la aparición de los primeros acordes de guitarra, se escuchan poderosos y casi cortantes, y más al emparejarlos con el bombo de la batería, y una línea simple de bajo. La guitarra va tomando protagonismo conforme avanza la canción, y la secuencia se va sustituyendo por un riff, ambientado por una suave melodía de teclados, perfectamente mezclada.

Seal Of Woven Years, es otra de las canciones mejor elaboradas, con una ejecución mucho más compleja que todas sus antecesoras, la voz de Kahn dando ese toque de oscuridad que las progresiones de guitarra rematan con excelsitud. Si bien este disco puede no ser del agrado de todos, esta canción debería ser apreciada por seguidores y detractores de igual manera. Una joya.

Sigue la canción que da título al disco, una kilométrica canción dividida en 4 capítulos, un poco más ambiental, con ciertas melodías medievales y lírica indudablemente oscura y profunda, pero el protagonismo comienza a ser de la estética generada por los sonidos del teclado de Oliver Palotai. Incubus, So long, All is over y Dissection componen esta pieza que cierra fuerte, con riffs poderosos acompañados de vocales de apoyo en el fondo, un solo a todo lo que da la guitarra. Podemos concluir que Poetry for the Poisoned fué compuesta como una oscura historia que va aumentando en dramatismo. Tal vez el porqué de la división en 4 capítulos.

Once upon a time cierra el disco, con mucho mas elementos de Power Metal, la melodía también es muy clásica, con el singular sonido de la voz de Kahn, con un coro muy pegajoso.

En la versión japonesa, en la cual me baso para esta reseña, se incluye Thespian Drama como bonus track, con velocidad y fuerza, haciendo alarde de técnica en la guitarra. Melodía instrumental de muy buena manufactura, con los clásicos “mano a mano” entre guitarra y teclado. Además en la edición limitada viene el cover de Nick Cave, Where the Rosemary Grows.

En conclusión, es un disco bueno, bien editado y con muy buenas aportaciones de músicos invitados, que sin embargo va a dejar un poco insatisfechos a los más fanáticos de la banda.

TrackList:
01. The Great Pandemonium
02. If Tomorrow Came
03. Dear Editor
04. The Zodiac
05. Hunter’s Season
06. House On A Hill
07. Necropolis
08. My Train Of Thoughts
09. Seal Of Woven Years
10. Poetry For The Poisoned: Pt. I – Incubus
11. Poetry For The Poisoned: Pt. II – So Long
12. Poetry For The Poisoned: Pt. III – All Is Over
13. Poetry For The Poisoned: Pt. IV – Dissection
14. Once Upon A Time
15.Thespian Drama (Bonus Track)
16. Where The Wild Roses Grow (Nick Cave Cover)


 Fuente: Metalicos

jueves, 24 de febrero de 2011

Revision de Dio - At Donington UK: Live 1983 & 1987

Aun me sorprendo de vez en cuando estremecido pensando en la muerte de mi cantante de heavy metal preferido. El tipo que cantó a las órdenes de Blackmore, que jugó mano a mano con Iommi y que con Vivian Campbell y Vinny Apice trajo al mundo más obras maestras incontestables. El pequeño hombre de garganta infinita que con poco llenaba mucho, que se ganaba al público con su humildad y una enorme actitud. Un rato después me consuelo pensando en su legado. En como se le sigue recordando, en como van apareciendo más grabaciones, tributos y se vuelven a poner de moda en los foros sus antiguas (y últimas: obra maestra con Heaven & Hell) grabaciones.

Es así como apareció este doble directo que recoge dos enormes actuaciones de Ronnie James Dio en dos de sus épocas más gloriosas, uno de tantos productos que aparecerán poco a poco con el tiempo, y que sus fans recibiremos como agua de mayo, siempre y cuando la calidad de los mismo esté a la altura de este “At Donington UK Live 1983 And 1987”. Porque, seamos sinceros. Estos dos directos son pura dinamita.

En el primero disfrutamos de un Ronnie en plenas e insuperables cualidades vocales, sin fallar una nota, y haciendo gala de una profunda garganta con gritos y entonaciones que se salen fuera de lo normal. Empezando con la genial “Stand Up And Shout” del novedoso por aquellos tiempos “Holy Diver” y siguiendo con una brutal interpretación del “Straight Throusgh The Heart”, en la que los aires Rainbow aun seguían presentes en la inspiración de la banda, regalando Dio unos impresionantes gritos aclamadísimos por la audiencia del festival. El sonido es más cercano al de un bootleg de excelente calidad que al de un directo de los tiempos que corren. No se perciben retoques, pero se disfruta de una nitidez excelente mezclada con una pureza de sonido en directo de gusto añejo que eleva la calidad del directo hasta cotas prácticamente sobresalientes. Los solos de guitarra de Campbell en canciones como las mencionadas suenan tan bien como sus propios riffes en cortes como “Holy Diver”, mientras que se muestra plenamente solvente con las canciones que redondean el set-list hacia la perfección, quedando constancia de lo grande que era la carrera del cantante ya en el año 1983: “Children Of The Sea”, “Heaven & Hell” (siendo esta la interpretación más impresionante que le he escuchado) o la inmortal “The Man On The Silver Mountain”. Extractos de “Starstruck” o “Stargazer” se interponen a los respectivos solos de guitarra y batería, breves y emocionantemente divertidos. El concierto acaba siendo una locura de rock & roll que sirve de despedida a Dio, quien desaparece arropado en un mar de aplausos en su primera descarga en el Reino Unido.

La calidad del segundo disco es ligeramente inferior. El sonido está mucho menos depurado, y es el propio de un bootleg de buena calidad. La voz de Dio, quien seguía en plenitud vocal allá por 1987, no se disfruta como debería dado el bajo volumen en comparación a las guitarras y la batería, de sonido un tanto enlatado. Ahora, el set-list es de nuevo brutal. La gira del “Dream Evil”, primer disco sin el genial Campbell, pero aun con la compañía de Jimmy Bain y Vinny Apice lucía a un Dio que no dejaba de aumentar su popularidad. Comenzando con la hard rockera “Dream Evil” y literalmente arrasando con el clásico “Neon Knights” cantado con una pasión indiscutible, el concierto pasa en un suspiro con las brutales descargas de un “Naked In The Rain” interpretado épicamente por Dio, una acelerada “Long Live Rock N Roll” a la que la banda se adapta a la perfección, una desgarradora “The Last In Line” o una metalizada “Man On The Silver Mountain” en la que se nota el cambio estilístico con la salida de Campbell de forma más notoria, al igual que el aumento de popularidad de las canciones clásicas de la propia banda del pequeño gran hombre, finalizando con una impresionante “Rainbow In The Dark”, seguramente su canción más mítica junto a “Holy Diver”. Una apoteósica despedida a lo largo de la cual, Ronnie no dio ninguna seña de agotamiento, desgarrando su voz hasta el último minuto.

A pesar de tener al alcance de la mano estas dos adictivas piezas, imprescindibles para fans, que también sirven de opción perfecta para acercarse a la carrera de esta inigualable estrella de la música, Dio, te echamos de menos.

TrackList:
Disco 1:
1. Stand Up And Shout
2. Straight Through The Heart
3. Children Of The Sea
4. Rainbow In The Dark
5. Holy Diver
6. Drum Solo
7. Stargazer
8. Guitar Solo
9. Heaven And Hell
10. Man On The Silver Mountain
11. Starstruck
12. Man On The Silver Mountain

Disco 2:
1. Dream Evil
2. Neon Knights
3. Naked In The Rain
4. Rock And Roll Children
5. Long Live Rock And Roll
6. The Last In Line
7. Children Of The Sea
8. Holy Diver
9. Heaven And Hell
10. Man On The Silver Mountain
11. All The Fools Sailed Away
12. The Last In Line (Reprise)
13. Rainbow In The Dark
Fuente: Metal4All

jueves, 17 de febrero de 2011

Revision de Burzum - Fallen

Poco quiso esperar Varg Vikernes para soltar a su más nueva bestiecilla, pues apenas un año ha pasado desde que sacara Belus.
El problema con Burzum es que el mundo del metal ha madurado y él no, pero esto no es de extrañar cuando en una reciente entrevista, él mismo afirmaba que durante su estancia en prisión sus ideas se habían vuelto incluso más extremas, que musicalmente no conoce nada del black metal moderno y que su propia música no debería ser catalogada como tal, pues no tiene nada en común con el black metal moderno. Si claro. Cada loco –y asesino– en lo suyo.

Pues bien este Fallen es un heredero indiscutible de Belus: mismo tipo de producción, mismo tipo de composiciones, misma atmósfera. Probablemente nadie represente los valores del black metal ortodoxo y dogmático mejor que este payaso racista, pues sus últimas dos obras parecen sacadas de 1993.

Y hay buenos momentos musicales en este disco, como la lentitud y el coro apenas audible y llano de Jeg Faller, el riffing totalmente ennegrecido y dinámico que aparece en la larguísima Budstikken, con un simple beat en el mecanismo rítmico. También son comunes las líneas de voces claras, siempre sutiles y más o menos enterradas en la mezcla. Valen y Vanvidd capturan todos estos elementos y representan con sus dieciséis minutos juntas, el espíritu rústico y un poco más agresivo de esta obra.

Los fans que busquen aquellos monolitos letárgicos donde en 12 minutos había 3 riffs, pueden darse por decepcionados. Este disco es probablemente el menos plano en toda la discografía de Burzum, pues a pesar de la uniformidad en el tipo de riffing y la simpleza en la batería, los cambios abundan. Y eso que solo incluye cinco canciones propiamente dichas, pues la primera y la última son más de corte ambiental la una y de percusión étnica la otra. Esto contribuye a que la famosa catarsis sea imposible de alcanzar.

Fallen es un disco que muestra más profundamente la capacidad compositiva de Vikernes. No creo que ninguna obra previa de Burzum haya venido tan repleta de riffs. A pesar de todo esto, debo admitir que el pensamiento de este individuo se interpone en el camino a la hora de estudiar el álbum. Me explico: ninguna obra de carácter estético, llámese plástica, literaria, musical, etc. debería ser analizada en función de sí misma. El arte es una creación humana por lo tanto es un reflejo de las emociones del artista, y no puedo obviar por lo tanto, que detrás de Fallen hay un ser humano de ideas radicales, peligrosas y con historial de asesinato. Alguien que llama a musulmanes y judíos “virus extranjeros”. Y que ningún metalero de estos lares se llame a engaño, pues los pueblos latinoamericanos no deben estar mejor posicionados a los ojos de Vikernes.

Con todo esto en mente me resulta imposible centrarme únicamente en el efecto del riff o la simpleza de la batería. Al salir Belus hace un año, dije que la calidad estaba presente pero que les quedaba debiendo la relevancia. Vuelvo a usar las mismas palabras. ¿Burzum y sus obras nuevas? Ni falta que hace.

TrackList:
1-Fra Verdenstreet
2-Jeg Faller
3-Valen
4-Vanvidd
5-Enhver til Sitt
6-Budstikken
7-Til Hel og Tilbake Igjen
Fuente: Metalicos

sábado, 29 de enero de 2011

Revision de MOTöRHEAD - THE WöRLD IS YOURS

De nuevo Cameron Webb (Social Distortion, Silverstein o Pennywise) produce y mezcla otro nuevo disco de los ingleses a medias con ellos, saliendo a la venta poco después de que Ian Fraser Kilmister cumpla sus 65 años, que se dicen pronto. Otra anécdota es que “The Wörld is Yours” es el primer disco con el Sello Motörhead Music, de la propia banda, quién lo saca en colaboración de EMI.

¿Y que decimos de las nuevas canciones de la encarnación de Motörhead que más discos ha grabado y más tiempo lleva unida? No sé tú, pero yo de Motörhead ya sólo espero un paquete con buenas canciones, porque el molde compositivo de una banda como ellos ya me lo sé. De acuerdo que composiciones más extrañas como las baladas “1916” o “I ain't no nice guy” o la acústica “Don´t Let Daddy Kiss Me” se han colado en sus grabaciones a lo largo de los años, o que hayan editado un diferente “March or Die” con Tommy Aldrigde como batería en nueve de sus once canciones, pero en general de Motörhead siempre te esperas lo mismo. Ya sabes: “We are Motörhead and we play rock´n´roll”. Si es que darle vueltas a esto es intentar descubrir el agua caliente.

También es verdad que algunos de sus discos tienen varias canciones de relleno, de esas sin demasiada calidad, pero necesarias para llegar a dar un minutaje necesario a la grabación para que sea editada como Long Play y poder así tener una gira. Aunque a una banda que ha editado cosas como “Overkill” en los setenta, “Ace of Spades” u “Orgasmatron” en los ochenta, “1916” o Bastard” en los noventa e “Inferno” en este siglo si se les puede pasar por alto algunos cortes sin demasiado brillo. Este nuevo plástico también tiene alguna canción sosilla (“Get Back in Line”, curiosamente elegida para el video promocional, o “I Know How to Die”… aunque parece que son las elegidas para tocar en directo, me reitero: hay temas mejores en el disco).

“The Wörld is Yours” (de nuevo Petagno a la portada, creo que ya ha superado a Derek Riggs en Maiden o a Martin McKenna en Axel Rudi Pell) lo veo con esa vena más rockera de su antecesor “Motörizer”, con buenos cortes como la incial “Born to Lose”, la marchosa “Waiting for the Snake” o esa tarareable “Rock 'n' Roll Music” con claras guitarras a lo AC/DC.

Algún corte es realmente oscuro como “Brotherhood of Man” (“solo de bajo sonido Lemmy” incluido, estilo “Stay Clean” o “Lost in the Ozone”) al que le siguen una típica “I Know What You Need”, canción rápida y movida marca de la casa o la magnífica “Outlaw” con unos coros simples, efectivos y una batería tremenda. No me extrañaría ver este “Outlaw” sonando en sus próximos bolos. Esta vez baladas o acercamientos al blues se han quedado fuera. Y para rematar una loca “Bye Bye Bitch Bye Bye”, con solos de escuela a cargo de Phil, con la que seguro volverás a tener ganas de escuchar “The Wörld is Yours”.

Casi cuarenta minutos de los que tocarán como mucho tres temas en sus nuevos conciertos, pero es que he contado y me salen 21 discos en estudio, incluyendo el disco “On Parole”, en su momento guardado en un cajón por la Compañía United Artist y publicado posteriormente a raíz del éxito de Motörhead, y sin contar aquel recopilatorio titulado “No Remorse” (1984) con cuatro temas inéditos. Buen disco que no defraudará a ningún seguidor.

TrackList:
1. Born to Lose
2. I Know How to Die
3. Get Back in Line
4. Devils in My Head
5. Rock 'n' Roll Music
6. Waiting for the Snake
7. Brotherhood of Man
8. Outlaw
9. I Know What You Need
10. Bye Bye Bitch Bye Bye
Fuente Metalicos

jueves, 27 de enero de 2011

Facebook del Blog Metal is Forever

Amigos, bueno hace unos dias, hice el facebook del blog Metal is Forever. Si es que les gusta el blog denle al boton me gusta, el link esta aqui. Ahi encontraran todas las publicaciones del blog y muchas otras cosas, y se enteraran mas rapido de las noticias.

Gracias por apoyar al blog y sigan visitando.



domingo, 23 de enero de 2011

Revision de Absu - Absu

De todos es sabido que Estados Unidos no es altamente conocido por producir agrupaciones dedicadas al Black Metal. Este estilo nunca ha sido su fuerte. Deben de haberlas, por supuesto, pero nunca han dado el gran salto. Al menos en lo personal, yo no recuerdo muchas agrupaciones norteamericanas, propiamente de la tierra del Tío Sam y McDonald’s, dedicadas a esta vertiente extrema del Metal (aprovecho, de paso, para solicitarles que si alguien conoce bandas de este tipo provenientes de Estados Unidos, que me las haga saber, siempre es bueno aprender).

Como todo, indudablemente, hay excepciones a la regla. Y en este caso que nos ocupa, Absu es la excepción. Formados en 1991, en Plano, Texas, Absu ha ido, poco a poco, ganándose su lugar dentro del difícil negocio de la música. Y aunque empezó tocando Death Metal, paulatinamente fue mutando su sonido hacia ese híbrido Black/Thrash que le conocemos hoy en día, y qué le ha hecho ganar una buena legión de seguidores.

Pues bien, ese híbrido del que hablamos se ve maravillosamente plasmado en su más reciente disco, el cuál lleva el mismo nombre de la banda. “Absu” fue grabado entre abril y julio del 2008, y vio la luz a través de Candlelight Records en febrero de este año 2009. 13 canciones componen esta obra, para un aproximado de 54 minutos de música.

Lo que hace interesante a “Absu” es la cantidad de participantes o invitados especiales en el disco, a la vez del uso de instrumentos no tradicionales en el género, lo cuál complementan los sonidos creados por la banda. Instrumentos como el melotrón o el vibraslap, los cuáles no son ciertamente de uso frecuente dentro del Metal, hacen su aparición en este disco, dotándolo de una frescura y un aire muy propio. El uso de dichos instrumentos es un soporte fundamental en el aspecto compositivo de la banda, ya que les permite jugar con sonidos que tal vez les sería un poco más difícil de recrear con instrumentos más tradicionales.

Hablando del aspecto compositivo, es bueno acotar lo bien manejados que se dan los cambios de ritmo en este disco. Los mismos son muy versátiles y le dan a los temas una estructura, qué podría decir… un poco diferentes. Esto porque, en mi humilde juicio, no son cambios manejados en forma tradicional, pero no sabría como explicarlo. Tendrían que escucharlos para darse cuenta de lo que hablo. Pero de que dotan a los temas de una vistosidad propia y diferente, creo que no hay duda de ello. Además, la banda no desaprovecha la oportunidad para, dentro de la estructura de sus canciones, mostrar la influencia de la mitología mesopotámica en su música. Cómo ejemplo, podríamos mencionar el segmento entre los 1:21 y los 2:00 de ‘Magic(k) Square Cipher’, lo cual habla bien del estilo de composición y creación de estos músicos.

Y lo mejor es que todo esto se da sin que la música pierda, ni por un ápice, su agresividad y contundencia. Por cualquier lado que se mire. “Absu” es un intenso compendio de Black/Thrash que puede hacer las delicias de los fans del género. Aunque por ratos siento que no tiene tanto de Thrash, tampoco podría decir que está más recargado hacia el Black Metal. Podría decir que está en el punto medio entre uno y otro, a lo que se aúnan diferentes influencias y sonidos, que sirven para enriquecer este álbum.

La producción de este nuevo álbum de Absu es de primera calidad, lo cuál, tomando en cuenta que el disco es autoproducido por la banda, no deja de ser señal de un gran y fuerte trabajo. “Absu” es apenas el 5to disco en estudio de Absu, pero continúa con la energía, potencia y fuerza que ya habían mostrado en su predecesor “Tara”. “Absu” es un disco bien logrado, equilibrado e intenso, con Metal de alta calidad, y qué muestra además sonidos y elementos no característicos que lo único que hacen es incrementar su calidad. Recomendado. 

TrackList:
# Between the Absu of Eridu & Erech
# Night Fire Canonization
# Amy
# Nunbarshegunu
# 13 Globes
# … Of The Dead Who Never Rest In Their Tombs Are The Attendance Of Familiar Spirits Including:
A.) Diversified Signs Inscribed
B.) Our Earth Of Black
C.) Voor
# Magic(k) Square Cipher
# In The Name Of Auebothiabathabaithobeuee
# Girra’s Temple
# Those Of The Void Will Re-Enter
# Sceptre Command
# Ye Uttuku Spells
# Twix Yesterday, The Day & The Morrow

Fuente: Metalicos

sábado, 22 de enero de 2011

Revision de PANTERA COWBOYS FROM HELL

Cuenta la mística, que estando Dios enfurecido con los humanos, seres caprichosos, insaciables y vengativos, escupió con odio sobre la Tierra. El escupitajo cayó directamente sobre el sureño estado de Texas. Recalentada por el Sol, la mezcla de baba y ácido fue dando forma a un monstruo de cuatro cabezas al cual los lugareños dieron el nombre de Pantera; una bestia que se convertiría en un icono del Heavy Metal.

“Cowboys From Hell” cumplió este año veinte años de existencia, un disco esencial para comprender por dónde irían los tiros del Heavy Metal a partir de 1990. Dos años antes, la banda había cerrado una etapa (bastante desconocida) en la que la banda facturó una serie de discos muy influenciados por las estrellas ochenteras del Heavy, caso de Van Halen, Iron Maiden o Skid Row. La llamada “era Glam” de Pantera quedó finiquitada con la edición de “Cowboys From Hell”, una mutación bestial como la propia música compuesta para la ocasión. El quinto disco de la banda, primero para Atlantic Records, fue un puñetazo en la mesa. Pantera dejaban atrás un estilo bastante caduco para, sin perder esa influencia clásica del Heavy más clásico, facturar uno de los primeros discos que podríamos catalogar de Post Thrash Metal, justo en un momento en el cual las bandas consagradas de este estilo no solo ya habían grabado sus discos más emblemáticos, si no que empezaban a innovar con nuevos sonidos que en general no fueron muy exitosos, si descartamos alguna que otra excepción como el “Black Album” de Metallica.

Los cuatro cowboys del infierno (los hermanos Abbott, Diamond & Vinnie, Phil Anselmo y T. Rex) cimentaron el futuro del Heavy Metal y particularmente del Thrash, manteniendo la llama de estos estilos, justo en un momento en el que entraban en una crisis de identidad, debido sobre todo a la gran aceptación que tuvieron las nuevas tendencias del Rock (Grunge, Metal Alternativo, Hardcore, Punk Melódico...). Pantera supieron lidiar con el temporal dejándonos unas cuantas joyas como “Vulgar Display Of Power”, “Far Beyond Driven” o el propio “Cowboys From Hell” y además fueron una influencia bestial para otros estilos como el Post Hardcore o el Metalcore. En la época de los 90 pocas bandas le hicieron sombra a Pantera y a sus incendiarios directos, pocos compitieron con la personalidad de Phil Anselmo o con la destreza rítmica de sus músicos. La agresividad de su música, el odio reflejado en sus letras, no fueron impedimento para que Pantera llegasen al corazón de metalheads de la vieja escuela que seguían ondeando la bandera de Iron Maiden o Judas Priest y a la vez con los jóvenes alternativos que tiraban hacia una onda Rage Againts The Machine o Red Hot Chili Peppers, pillando por el camino a los surfers que ya habían acogido con cariño a bandas como Anthrax o Suicidal Tendences entre sus audiciones favoritas.

De las cuatro obras maestras que Pantera nos dejaron en los 90 (no olvidemos “The Great Sounther Trendkill”) quizás “Cowboys From Hell” sea el menos aclamado de todos, por ser el que conserva una raíz más heavy, pero lo que sí hay que reconocer es que estanos ante un clásico en toda regla, un disco que a mi parecer no ha perdido su halo de atemporalidad. Todos los temas son auténticos pelotazos donde el dominio rítmico ejercido por la dupla Vinnie Paul/T.Rex es de una calidad que está fuera de toda duda. De otra galaxia tenemos a un Dimebag Darrell de cuya guitarra salen riffs delirantemente adictivos, originales para la época y apoteósicos en la técnica con la que son ejecutados. Dimembag es el músico más destacado de este disco porque además salpica las composiciones con solos muy rockeros, muy sucios, logrando un resultando moderno pero genuino a la vez. El único músico que queda un poco por debajo es un Phil Anselmo que aunque ya se muestra como una bestia que domina a su antojo varios registros, todavía mejoraría más en posteriores lanzamientos, llegando a ser uno de los músicos más queridos de la banda, precisamente por el carácter y la personalidad que poco a poco se fue forjando en el circuito metalhead.

“Cowboys From Hell” es un disco variado, con cortes más desarrollados y otros más contundentes. En los primeros, donde sacan la influencia más heavy clásica demuestran un buen dominio en la faceta compositiva, este es el caso de “Cementary Gates”, “Psycho Holiday” o la propia “Cowboys From Hell”, tres clasicazos como la copa de un pino que ya nos vislumbran la cantidad de recursos que maneja la banda. Sin embargo, serían los más potentes y directos, poseedores de riffs bestiales, los que sirvieron para marcar el camino a seguir en discos posteriores, los cuales fueron una gran influencia para bandas que venían mamando Hardcore más puro, estilo del cual los propios Pantera también cogían algo de prestado. En este plano tenemos cortes como “Domination”, con una parte para hacer “streight” como un poseso o el beat sónico que se convirtió en una patente de temas como “Primal Concrete Sledge”, “Heresy” o “Shattered”. Tampoco podemos obviar un fantástico final del disco donde la banda saca a relucir unas influencias más sureñas en composiciones algo más arriesgadas, como el tratamiento de acústicas en la más reposada “The Sleep” o las genialmente instrumentadas “Message In Blood” y “The Art Of Shredding”, esta última de los más Thrash “puro” de todo el disco, una mezcla entre la explosividad de Exodus y la contundencia de Overkill .

Track List:
01.Cowboys From Hell
02.Primal Concrete Sledge
03.Psycho Holiday
04.Heresy
05.Cemetery Gates
06.Domination
07.Shattered
08.Clash With Reality
09.Medicine Man
10.Message in Blood
11.The Sleep
12.The Art of Shredding
“Cowboys From Hell”: simple y llanamente un disco para disfrutar como un enano.
 Fuente: Metal4All

viernes, 20 de agosto de 2010

Revision de Abadden - Sentenced To Death

Aceptémoslo. Hoy en día, con la cantidad de música disponible, y las facilidades para obtenerla, la misma se hace cada vez más “difusa”. Esto porque es tan simple ahora conseguir y escuchar más y más álbumes que ya se ha perdido ese sentido de exprimirlo al máximo y sacarle todo el jugo posible. Hay tantísimo de donde escoger que muchos pretenden (lamentablemente, a veces me meto en esta lista) abarcarlo todo, y se pierde la perspectiva de que, ante todo, la música debe ser para disfrutar, sentirla y saborearla.

Por ello, cuando un disco, en tu primera escucha, te captura y te engancha de inmediato, es cuando dices “Estoy ante algo que vale la pena”. Y le das un valor especial al mismo, sobretodo si esa obra te sigue cautivando cada vez que la escuchas. Es entonces cuando te das cuenta que, desde tu punto de vista, tienes en tus manos un discazo.

Y como lo anterior es algo que me sucedió es que me atrevo a usar dicho término con “Sentenced To Death”, el álbum debut de la joven agrupación Abadden. Sin miramientos, así lo llamaría yo. Un discazo. Es que esta producción, que salió a la venta el 1º de marzo de este 2010, nos presenta a una novel banda, provenientes del Reino Unido y formados tan solo hace 3 años, en el 2007, en extremo competente, con ideas muy concretas y bien plasmadas.

“Sentenced To Death” es un discazo por la disposición de los cuatro músicos que conforman Abadden –Dan Pool en las voces y guitarras, Billy Robinson en la otra guitarra, John Blunt en el bajo y James Bell en la batería- de crear temas de Thrash Metal de alta factura, directos, al punto, potentes y, hasta donde la palabra lo permita, violentos si se quieren, pero con una melodía y fineza muy apropiadas, que le dan un excelente contraste a dichas piezas. Cada canción destaca por su velocidad y energía, con unas guitarras sumamente agresivas y macizas. Los riffs son de esos que te hacen mover tu cabeza de arriba abajo una y otra vez sin parar, de los que hacen que tu adrenalina suba y suba, y de los que, en más de una ocasión, te van a ser encontrarte tocando la siempre clásica y nunca pasada de moda guitarra de aire.

Aunado a lo anterior, debemos destacar la fineza de los cambios y estructuras rítmicas de las que Abadden hace uso, sin dejar de lado los elementos melódicos y armónicos que adornan cada canción. Estos son particularmente notorios en los solos, pero no es el único momento en el que destacan. Tales armonías tienen presencia protagónica en “Sentenced To Death”, dándole aún más vistosidad a esta grabación. Y, como se mencionaba al principio de este párrafo, los cambios rítmicos son estupendos. En su esencia, Abadden practica un Thrash Metal veloz, pero no tiene problemas en incorporar a su esquema elementos un poco más lentos –práctica común en el Thrash- que son óptimamente agregados a su propuesta musical. Y la manera en que estos muchachos manejan dichos cambios es realmente vistosa, logrando darle dinamismo y versatilidad a u música.

Otro punto que me llama la atención es el manejo vocal de Dan Pool. Maneja tonos más oscuros, graves y carrasposos que lo que la música sugiere, y no obstante, su voz no se siente absolutamente para nada fuera de lugar. Su técnica y destreza funciona positivamente en las composiciones de la banda, y les da aún más fuerza, sin perder la melodía ni por asomo.

Destacar un tema de “Sentenced To Death” es tarea difícil. Y esta es otra prueba de que este álbum es en realidad excelente. Contrario a muchas grabaciones, este disco no pierde en momento alguno su consistencia. Cada una de las 8 canciones que conforman el álbum tiene su identidad, su poder y su fiereza. ¿Temas de relleno? No, señores. Desde mi humilde perspectiva, “Sentenced To Death” no tiene temas de relleno. Desde que arranca con el tema título, esta producción te mantiene atrapado hasta la pieza final ‘The Day Of Reckoning’. Definitivamente, este es una grabación para escuchar y analizar de forma completa, no por piezas sueltas.

Entonces, ya lo saben. Fans del Thrash Metal, si no han escuchado “Sentenced To Death”, no pierdan el tiempo, háganse un favor y consigan este disco de inmediato. Para quiénes ya conocen esta propuesta, sigan disfrutando de un disco que, para un servidor, tiene ya su lugar asegurado en mi lista del Top 20 del 2010, y que, por el momento, está tan solo unos pasos atrás de “Ironbound” de OverKill y “The Evolution Of Chaos” de Heathen como mejor álbum Thrash del año. Altamente recomendado… porque, amigos… “Sentenced To Death es un discazo.

TRACKLIST:
1. Sentenced To Death
2. My Misery
3. Violent Assault
4. Atomic Devastation
5. The Hand That Feeds
6. Resurrection
7. Into The Dark
8. The Day Of Reckoning

martes, 27 de julio de 2010

Revision de MotorHead - Ace of Spades

Porque todo tiene un comienzo, porque todas las grandes ideas se concibieron en grandes genios, por esto Motorhead dió a luz a este pedazo de historia hecho música denominado Ace of Spades. Desde un principio en la portada ya podemos ver por primera a los integrantes de la banda cosa inédita en anteriores discos, algo que fue bien copiado por grandes bandas del metal años después. A veces me pregunto si alguna vez hubiese salido a luz el Kill Em All de Metallica sin este disco, u otros grandes discos de las mejores bandas del thrash. Es que Ace of spades lo tiene todo, como pocos otros casos en la historia del rock, es un disco que resulta en el punto neurálgico de aquellos seguidores del punk, del metal o del hard rock.

El disco no da vueltas y apenas le damos play escucharemos la mitica Ace of Spades aquel gran himno pagano de todos los que veneramos al gran dios del rock Lemmy Kilmister. Pura velocidad, pura furia, con una composición excelente destinada por los tiempos de los tiempos a ser una de las mejores canciones que alguna vez el rock nos ha dado. Embrionario tema que futuramente daría lugar a nuestro tan amado thrash metal. Le sigue Love me like a reptile, no tan rápida pero con la misma fuerza. Con el gran detalle de unos cascabeles de fondo que simulan el sonido de una serpiente. Mucho más agresiva una de mis favoritas le Shoot you in the back, un tema para salir a romper bares y sumergirse en la anarquía total. Live to win continúa en la misma línea con un riff, que jamás se desprenderá de nuestras mentes.

Fast and loose es en realidad un medio tiempo bien rockero, pero con una base de blues, reduciendo la velocidad del disco, consiguiendo de esta manera un álbum equilibrado. We are the road crew retoma la velocidad con otro tema agresivo, con una métrica muy simple pero honesta, sello distintivo de Motorhead. Fire fire, es justamente eso puro fuego un tema corto y bien agresivo, con un estribillo muy pegadizo y un solo genial. Le siguen Jailbait otro tema pesado más lento que el anterior pero manteniendo la tónica del disco, a continuación Dance retoma la línea de Fire fire otro tema rápido lleno de potencia.

Bite the Bullet va a 1000 kilómetros por hora, otro de rock salvaje directamente al punto. The Chase is Better than the Catch es el tema mas largo del disco, posiblemente esta canción desentone con la estructura que veníamos viendo en temas anteriores, pero la verdad poco importa porque Lemmy es un genio en lo a componer música se trata, una de las piezas mas atractivas del disco. No existe mejor manera de cerrar el disco que The hammer, rock al 100% acariciando al thrash metal, la canción mas parecida en todo el disco al embrionario thrash metal que vería la luz pocos años después.

En fin, Ace of spades es uno de los mejores discos de la historia del rock, tal vez opacado injustamente por el Back in Black de AC/DC debido a su contemporaneidad. Un disco totalmente innovador para la época, que reúne a fanáticos de los mas diversos géneros en un solo grito: “The only card i need is the ace of spades”.

TrackList:
1. Ace of Spades
2. Love Me Like a Reptile
3. Shoot You in the Back
4. Live to Win
5. Fast and Loose
6. (We Are) The raod Crew
7. Fire, Fire
8. Jailbait
9. Dance
10. Bite the Bullet
11. The Chase is Better than the Catch
12. The Hammer


 Fuente: Metalicos

miércoles, 21 de julio de 2010

Revision de OZZY OSBOURNE - SCREAM

Esta vez no ha habido que esperar mucho tiempo para escuchar un nuevo disco del gran Ozzy Osbourne. Concretamente tres añitos han pasado desde la edición de su anterior trabajo, “Black Rain”, justo la mitad de los que hubo que esperar para escuchar canciones nuevas tras su álbum de 2001, “Down To Earth”. Sin embargo, a lo largo de estos tres años el mundo musical de Ozzy ha experimentado más cambios y mucho más profundos que en los seis anteriores.

Si bien, durante la primera mitad de la década que acabamos de dejar atrás, la mayor parte de las noticias sobre Ozzy fueron sobre temas no relacionados con su carrera musical, como el cáncer de colon que sufrió su esposa, el accidente en moto que le dejó en coma varios días y casi le cuesta la vida o el éxito de su famoso reality, The Osbournes, en los últimos tres años hemos ido conociendo bastantes novedades y cambios con respecto a su verdaderá profesión, la música.

Una de las grandes novedades fue la transformación del Ozzfest en un festival gratuito para el público en su edición del año 2007, iniciativa que no resultó tan satisfactoria como se esperaba, sobre todo de cara a las bandas que formaban el cartel; posteriormente sorprendió la suspensión del festival en el año 2009, después de celebrarse ininterrumpidamente durante once años. Pero el verdadero shock llegaría en el mes de julio del mismo 2009, cuando Ozzy anunciaba la marcha (despido amistoso, aunque de manera poco elegante) de su guitarrista Zakk Wylde, tras 21 años teniéndole como su mano derecha.

El impacto entre los fans de Ozzy fue tremendo, y todos tomaron su posición rápidamente dejando claro si preferían que Zakk se marchara o no. En medio de esta polémica, se anunció con bastante celeridad el nombre de su sustituto. Nueva sorpresa al comprobar que el elegido había sido el guitarrista griego Gus G. (Firewind, ex Dream Evil). Muchos quizás esperábamos algún nombre con más peso en el mundo de la guitarra, pero por otra parte, creo que Gus cumple perfectamente el perfil que siempre han tenido los guitarristas de Ozzy: jóvenes talentos recién iniciados o todavía sin pulir del todo. Pero este no era el único cambio, y es que el batería Mike Bordin, otro de los músicos fieles de Ozzy, con casi quince años de trabajo junto a él, abandonaba su puesto para volver a su propia banda, los reunidos Faith No More. Su plaza fue rápidamente ocupada por el hasta ese momento batería de Rob Zombie, Tommy Clufetos.

Ha habido más novedades durante estos tres años, como la publicación de la autobiografía del Madman, titulada “I Am Ozzy”, su aparición en el mundo del videojuego de la mano del revolucionario “Guitar Hero” o la más reciente noticia de que varios científicos van a estudiar su genoma para averiguar el secreto de su tremenda resistencia tras 40 años abusando de las drogas y el alcohol, pero anécdotas aparte, lo más releveante sin duda ha sido el cambio de guitarrista.

Por supuesto, la marcha de Zakk Wylde ha conseguido que los fans de Ozzy estuvieran intrigadísimos con cómo sonaría en directo el Madman con Gus G. y especialmente cómo sonarían las nuevas canciones. Pues bien, las reacciones no se han hecho esperar y, como se suponía, las opiniones se han dividido casi a partes iguales. Hay quienes ven a Zakk como un genio sin el cual Ozzy ha pérdido muchos enteros, y hay quienes piensan que con su marcha Ozzy se ha quitado un lastre y ha vuelto a un sonido más cercano a lo que nos tenía acostumbrados, alejado de ese saborcillo a Black Label que rodeaba especialmente su anterior “Black Rain”, y de las manías de Wylde con su guitarra, sobre todo sus omnipresentes armónicos.

Yo sin duda me posiciono en el segundo grupo. Creo que Ozzy se tenía que haber liberado de Zakk Wylde hace ya tiempo, más de cara al directo que de cara a los discos, ya que al fin y al cabo todos los trabajos que ha grabado con Zakk han sido buenos en mayor o menor medida, con mencion especial a dos obras maestras como “Ozzmosis” (1995) y muy especialmente “No More Tears” (1991). No obstante, mi opinión es que Zakk ya ha dado de sobra todo lo que le podía dar a Ozzy, de forma materialista podriamos decir que ya está más que amortizado, y a estas alturas suponía más un lastre (con cariño) que otra cosa en la carrera del “Principe de las Tinieblas”.

La entrada de Gus G. ha aportado frescura al directo de Ozzy; por fin no se escuchan continuamente armónicos, y su estilo de tocar la guitarra es en general más clásico que el de Zakk, más ochentero. Un dato significativo es el hecho de que en los directos han recuperado el mítico “Shot In The Dark”, tema que llevaban sin tocar unos 17 años. Puede que a algunos les parezca una tontería este dato, pero para mi da una idea de por dónde van los tiros con este nuevo guitarrista, además de por su forma de tocar.

Y bueno, después de esta enorme introducción, pasaré a hablar del disco, que es lo que estaréis esperando. Para empezar, y a modo de resumen general, diré que es un buen disco, en mi opinión, algo mejor que “Black Rain”, pero eso sí, tarda en entrar, hay que darle varias escuchas para ir cogiéndole el gusto.

En cuanto al sonido, la verdad es que es más cercano a lo que Ozzy hacía con Zakk Wylde de lo que yo esperaba. Esto es lógico ya que al fin y al cabo los temas han sido compuestos por Ozzy y Kevin Churko, quien además ha producido el álbum. Es decir, salvo Zakk, este es el mismo equipo que dio forma al disco “Black Rain”, y se nota. No obstante, el cambio en la guitarra también se nota, y a mi juicio, para bien. No voy a entrar en dilemas inútiles sobre si Gus es mejor que Zakk o no, pero si diré que se me hace más agradable escuchar a Gus que a Zakk. Como véis, se me nota a leguas que estoy saturado del sonido del ex guitarrista de Ozzy, pero una cosa si que echo de menos, sus tremendos riffs. Ahí pocos le pueden igualar, y es que el señor Wylde es una auténtica máquina de hacer riffs potentes, cualidad que compartía con su buen y fallecido amigo, Dimebag Darrell. En cualquier caso, Gus G. también ha compuesto buenos riffs, más simples pero muy efectivos.

Pero bueno, yendo al grano, en “Scream” vais a disfrutar de diez temas bastante buenos. Digo diez porque el último corte, “I Love You All”, no se puede considerar casi ni una canción. Es una especie de outro, un homenaje de un minuto de duración que Ozzy hace a sus fans, algo más bien anecdótico y, para mi gusto, prescindible. Puestos a homenajear a sus fans, que grabe otro tema y listo.

Aparte de esto, encontramos canciones geniales, como la potentísima “Let Me Hear You Scream”, primer single del disco (con un espectacular video que podéis ver pinchando en el enlace de YouTube situado a la izquierda), o el medio tiempo “Soul Sucker”, un tema de aire tenebroso con un riff de guitarra que parece compuesto por el mismísimo Diablo. Otra gran canción, y una de las que me suenan más novedosas, es la inicial “Let It Die”. Aquí Ozzy canta con un pequeño deje hiphopero que quedá bastante bien y, sin duda, sorprenderá a más de uno.

Otro tema a tener en cuenta es “Life Won´t Wait”, un corte con unas guitarras acústicas muy evocadoras, que suena a una mezcla entre los Black Sabbath del “Sabbath Bloody Sabbath” (1973) y los Led Zeppelin del “III” (1970). Me ha gustado mucho.

Lo mismo tengo que decir de la incisiva “Diggin´Me Down”, en la cual Ozzy vuelve a meter caña al cristianismo y a Jesucristo en particular, preguntándole dónde se supone que está en un mundo que tanto necesita la “ayuda de Dios”. Por su parte, “Latimer´s Mercy” es un tema macabro que realmente inquieta. No es para menos, ya que en él Ozzy habla de Robert Latimer, un granjero que mató a su hija discapacitada en 1993. La atmosfera tétrica está realmente lograda, recuperando en este sentido (y salvando las distancias) al Ozzy de canciones como “Diary Of A Madman”.

En cuanto a los cortes restantes, no se quedan para nada a la zaga con respecto a los que ya he citado, pero sí es cierto que me han gustado más estos.

Quiero señalar también que la edición normal de “Scream” está formada por once canciones, pero la edición japonesa tiene un bonus track llamado “Jump The Moon”, y a través de iTunes se puede conseguir otro titulado “One More Time”. Por supuesto, ambos temas se pueden escuchar en YouTube, y la verdad es que “Jump The Moon” me ha parecido una canción extraña, una especie de experimento más bien mediocre. En cambio, “One More Time” es un corte cañero, con un buen estribillo y que perfectamente podría haberse incluido en la edición normal de “Scream”, en lugar de soserías como “I Love You All”.

Pero bueno, todo esto son pegas menores para un disco bueno en lineas generales, que supera levemente a su predecesor, y que supone la confirmación de Gus G. como un guitarrista más que válido para la banda de Ozzy Osbourne. Mientras saque trabajos al menos como este, me doy con un canto en los dientes, que con sus 61 años de edad y más de 40 años de carrera a sus espaldas, desde luego ya no espero que vuelva a grabar un nuevo “Bark At The Moon” (1983); ni falta que hace a estas alturas. Ozzy Osbourne no tiene nada que demostrar, bastante es ya que siga sacando nuevas canciones y no se limite a vivir de las rentas.

TrackList:
1. Let It Die
2. Let Me Hear You Scream
3. Soul Sucker
4. Life Won't Wait
5. Diggin' Me Down
6. Crucify
7. Fearless
8. Time
9. I Want It More
10. Latimer's Mercy
11. I Love You All
12. Jump The Moon (Bonus track edición japonesa)
13. One More Time (Bonus track iTunes)
 Fuente: Metal4All

viernes, 16 de julio de 2010

Revision de Jorn - Dio

Es innegable que la muerte de un personaje tan relevante como Ronnie James Dio va ser una fuente de negocio para unos cuantos oportunistas, pero también es seguro que unos cuantos tributos que veamos de ahora en adelante serán generados por una real veneración hacia el mito. Personalmente creo que este disco de Jorn puede ser ubicado dentro del segundo grupo.

“Dio” es un disco que fue editado anticipadamente por Frontiers a raíz del fallecimiento del genio pero que se nota que no ha sido grabado con precipitación. Inclusive, la apertura con un tema homenaje como “Song For Ronnie James” indica que el tributo estaba meditado y preparado, aunque posiblemente lo que movió a Jorn fue conocer la enfermedad de su ídolo y mentor.

Y quien mejor que Jorn para llevar a cabo un proyecto como este. Posiblemente es el vocalista que mejor representa el estilo vocal del pequeño gigante y eso seguramente se debe a toda la influencia que este ha ejercido en el noruego, con un estilo vocal capaz de adaptarse a cualquier circunstancia pero sin perder su identidad.

Jorn ha querido enfocarse básicamente en la carrera en solitario de Dio seleccionando inteligentemente una serie de temas que no se remiten exclusivamente a los clásicos, de eso ya se encargaran los millones de tributos que aparecerán de aquí a un año. Es un placer escuchar temas menos emblemáticos pero igual de resolutivos como “Shame on the Night”, “Night People” o “Sunset Superman”. Inclusive, hace guiños a su discografía reciente con canciones de “Magica” y “Killing the Dragon” y se atreve a meterle arreglos de teclados y coros demasiado ochentosos a un tema mítico y semiolvidado como “Sacred Heart”.

Tampoco quiere olvidar a las otras dos enormes bandas en las que cantó Dio e incluye “Kill the King” de Rainbow y un medley de Black Sabbath con dos grandes temas como “Lonely is the Word” incluida en “Heaven And Hell” y “Letters from Earth” de “Dehumanizer”.

No hay que olvidar delante de que tipo de lanzamiento estamos. Un disco de versiones al final simplemente es eso, por muy distintas que sean no pasan de ser un ejercicio nostálgico o un homenaje. En este caso, lo que ha realizado Jorn está más que justificado por lo que representa para si mismo y más habiendo compuesto un tema especialmente para Dio y que incluye segmentos de canciones como “One Night in the City”. Estoy seguro que a muchos fans de Jorn y de Dio le causará la misma buena vibra que al vocalista noruego.

TrackList:
1.Song for Ronnie James
2.Invisible
3.Shame on the Night
4.Push
5.Stand Up And Shout
6.Don’t Talk to Strangers
7.Lord of the Last Day
8.Night People
9.Sacred Heart
10.Sunset Superman
11.Lonely is the Word – Letters from Earth
12.Kill the King
13.Straight Through the Heart (live)

Fuente: Metal4All

jueves, 1 de julio de 2010

Revision de Masterplan - Time To Be King

Time To Be King se ha convertido en uno de los discos más esperados de Masterplan y es que superar un álbum como el MK II con el increíble cantante MikeDimeo, pero ya se sabía de antemano las voces para esta ocasión y hasta que se disponga correrán a cargo de Jørn Lande, voz que originalmente formaría parte de los dos primeros discos de Masterplan. El disco siempre calentó desde el primer día que se anuncio que el señor Lande volvía a Masterplan lo que género mucha satisfacción para muchos y la verdad muy pocos disgustos, lo que venía ahora era determinar cómo iba a sonar el disco, que género sería, que prevalecía y pues como es un disco maduro se comporta como tal, con una coqueteo leve de su Masterplan y Aeronautics y alguno que otro vestigio de MK II.

Fiddle Of Time es el tema que da inicio, y que al decir verdad se nota la madurez como ya lo decía, un Lande imponente en sus líneas melódicas, los dobles bombos de Terrana son fabulosos al igual que los teclados y ni que decir de Grapow, un tema muy directo y que probablemente con esta explosión abran los conciertos. En Blow Your Winds me pasó algo raro con la primera escucha y es que el riff principal de guitarra es muy similar al riff principal de una tema de Amon Amarth llamado Guardians Of Asgaard, quizás sea cosa mía pero esa fue la impresión, en fin, Blow Your Winds es pegadiza de principio a fin, un tema que demuestra la buena forma de Lande y del resto de sus miembros. Far From The End Of The World es el primer corte que salió casi un mes antes del lanzamiento oficial del disco, una canción que goza de gran fuerza de pies a cabeza, desde que salió y circuló por internet dejó con un buen sabor de boca los fans. La canción que da nombre al disco Time To Be King inicia con sonidos ambientados a Iglesias y coros similares, pero ya en materia posee un riff de guitarra muy bien elaborado así como toda su composición general, hay algunos cambios de tempo y elementos con teclado que sencillamente son buenos.

Lonely Winds Of War empieza con melodías un tanto Folk ya que la flauta es fácil de distinguir y así dar paso al tema en sí, esta canción tiene el sello Grapow, ya que posee esa característica de composiciones que poco a poco se le van conociendo. The Dark Road es un tema que cambia mucho con las canciones anteriores, posee pasajes más lentos y melódicos tal y como el señor Lande es especialista, también esta presentes los arreglos de teclado donde se nota el buen nivel de Axel en dicho instrumento, en fin un trabajo muy complementado entre los cinco miembros de la banda. The Sun Is In Your Hands es poderos desde el principio con una línea de guitarras completamente agresiva y penetrante, Roland Grapow se luce una vez más y da a conocer el gran talento que posee, y el solo de la canción es perfecto. The Black One es un tema igual de agresivo que el anterior pero el trabajo de Jan-Sören se nota aún más, ya que el bajo forma parte de las líneas principales de la canción, las guitarras igual hacen lo suyo de buen modo y Lande una vez más impecable.

Con el tema Blue Europa sigue un matiz muy Power, pero sin llegar a lo que es Power puro, es decir es como un coqueteo con el mismo ya que Roland quien es el compositor demuestra sus habilidades para componer en este género, cabe destacar que el solo de Blue Europa es de gran factura. Under The Moon es el cierre y que personalmente es un tanto frío a pesar de eso no le quita crédito al disco, pero creo que hubiese sido quizás mejor algo más acelerado o algo más épico. El cierres es un bonus track llamado Kisses From You que es toda una sorpresa digan de ser un bonus, es un tanto divertida y de pies a cabeza pegadiza, en ocasiones suena muy Hardrockera pero es muy agradable, ojala forme parte del set-list oficial en los directos.

En síntesis Time To Be King es un resumen de la experiencia que pesa sobre Masterplan ya que no son ningunos novatos y saben lo que es trabajar con calidad. Roland Grapow como productor es sencillamente genial, su gran esfuerzo se le ve reflejado en este disco y a la vez como ya mencioné antes la madurez de la banda. Time To Be King será un disco que dará mucho de qué hablar. Ojala los Masterplan mantengan esa línea explosiva y logren más cosas a futuro.

TrackList:
1.Fiddle Of Time
2.Blow Your Winds
3.Far From The End Of The World
4.Time To Be King
5.Lonely Winds Of War
6.The Dark Road
7.The Sun Is In Your Hands
8.The Black One
9.Blue Europa
10.Under The Moon
11.Kisses From You (bonus track)

miércoles, 23 de junio de 2010

Revision de Soulfly - Omen

Max Cavalera no para. Sólo hace dos años que nos obsequió con dos obras antológicas, una con Soulfly (“Conquer”) y otra con Cavalera Conspiracy, y ahora en el 2010 nos llega con este “Omen”, séptimo disco con Soulfly, lo que le hace igualar el mismo número de álbumes editados con Sepultura. Y espera, que esto no es todo: a finales de este año o principios del 2011 Cavalera Conspiracy dará a luz a un nuevo retoño. En total diecisiete discos de considerable éxito (no me olvido del “Point Black” de Nailbomb) con cuarenta y una primaveras de edad. Si eso no es estar comprometido con tu trabajo que baje Dios y me lo explique.

A esto hay que añadirle dos factores importantes: uno, la cantidad de giras que lleva este hombre a sus espaldas; y dos, que en vez de arrugarse con el paso de los años, éstos le han hecho más joven todavía. No sé si me explico. No sólo sigue endureciendo su sonido, sino que además sabe adaptarse a las nuevas corrientes metaleras. Y es por esa razón que no quiero quitar méritos a sus compañeros nombrando sólo al bueno de Max, ya que Mark Rizzo se confirma en este álbum como una parte importantísima en la creación de ese sonido y se nos presenta como un guitarrista increíble.

“Omen” es un disco que sigue todas las intenciones de los dos anteriores trabajos de Soulfly, “Dark Ages” y “Conquer”: dejarse de “nu-metalerismos” y retornar a ese sonido thrash-death de los primeros Sepultura, aportando alguna que otra melodía por parte de Mark para marcar un poco la diferencia y omitiendo las partes tribales, esta vez por completo. El disco no tiene ni un segundo de descanso hasta la canción número once, que no es otra que Soulfly VII, el habitual tema instrumental que la banda incluye en todos sus álbumes (para mí éste es el mejor de todas las ediciones), así que haceros una idea de la tónica general de “Omen”.

Según pulséis el play os daréis cuenta de lo que hablo. “Bloodbath & Beyond” conforma un inicio de disco a la vieja usanza, sin intros ni medias tintas y directo a la yugular, con unos riffs y batería velocísimos, grandes arreglos por parte de Mark y una voz de Max que sigue en plena forma. Por otra parte Logan Mader, que ya produjo el disco de Cavalera Conspiracy, hace que ese sonido se asemeje un poco más a dicha banda que al de las dos anteriores obras de Soulfly. Ahí tenemos temas brutales como “Great Depression”, “Mega-Doom” o “Counter Sabotage” que suenan absolutamente “sepultureros”. “Kingdom”, “Off With Their Heads”, “Vulture Culture”… son todo trallazos.

Las colaboraciones no cesan en este séptimo disco. La primera es del cantante de The Dillinger Scape Plan, Greg Pruciato, en la canción “Rise Of The Fallen”. Mark se sale literalmente en este tema con esos punteos y arreglos, y la voz de Greg pone el puntillo experimental al conjunto. La segunda colaboración es en el corte número cuatro, con Tommy Victor de Prong a los micrófonos. Es ésta la canción más pesada y “pausada” de todo el plástico, lo que hace que se asocie al estilo de Prong y a su cantante. También, en la edición especial (con tres bonus tracks y un DVD con material en directo grabado en el festival Full Force en 2009), colaboran los hijos de Max, Zyon e Igor, en las versiones “Refuse/Resist” de Sepultura (¿cuántas veces habrán grabado esta canción?) y “Your Life, My Life” de Excel.

Con todo esto… ¿es mejor este disco que sus dos anteriores? Mi opinión personal es que el “Conquer” lo supera, y no creo que eso cambie, pero lo que sí que tengo claro es que este “Omen” hace que ya me olvide completamente de posibles reuniones de los primeros Sepultura, ya que me cansaba mucho ese tema y creo, sinceramente, que no hace ni falta (recordad que se avecina otro disco de Cavalera Conspiracy, con su hermano Igor a las baquetas). Sólo me queda una cosa por decir:

1.Bloodbath & Beyond
2.Rise Of The Fallen
3.Great Depression
4.Lethal Injection
5.Kingdom
6.Jeffrey Dahmer
7.Off With Their Heads
8.Vulture Culture
9.Mega-Doom
10.Counter Sabotage
11.Soulfly VII

Edición especial:

12.Four Sticks (Led Zeppelin)
13.Refuse /Resist (Sepultura)
14.Your Life, My Life (Excel)

DVD (Live at Full Force Festival):

01.Blood Fire War Hate
02.Sanctuary
03.Prophecy
04.Back To The Primitive
05.Seek ´n´ Strike
06.Living Sacrifice
07.Enemy Ghost
08.Refuse Resist
09.Doom
10.L.T.O.M
11.Molotov
12.Drums
13.Warmaggedon
14.Policia
15.Unleash
16.Roots Bloody Roots
17.Eye For An Eye

lunes, 7 de junio de 2010

Revision de Lujuria - Llama Eterna

Lujuria, esa institución del Rock patrio cumplen veinte años de existencia. Sí, efectivamente, para algunos de nosotros parece que esas dos décadas han pasado en lo que dura un onírico suspiro. Así son las cosas y así de rápido pasa el tiempo. Lo que es significativo es que en estos últimos veinte años nuestro corazón siga impregnado de ese dulce pringue llamado Rock & Roll. Esto es algo de lo que hablan y sienten especialmente los componentes de Lujuria, una banda que nació al amparo de unas pocas ovejas segovianas y acabó, veinte años después, rodeándose de un auténtico rebaño de heavys y rockeros que acompaña fielmente a la banda en noches donde priman los alegatos en defensa de la cerveza y del sexo libre. Puro Rock & Roll.

Lujuria han querido celebrar estos veinte años de existencia con un disco homenaje a algunos de los caídos más significativos del Rock español. Algunos de esos músicos fueron integrantes de bandas emblemáticas de nuestro país y una clara influencia para Lujuria. La banda no podía expresar con mejores palabras el porqué de este disco:

“No se respeta lo que no se conoce, no se ama lo que no se respeta y este disco pretende que aquellos y aquellas que se inician en esta forma de vida que es el Metal conozcan nuestra historia para respetarla y amarla, aquellos y aquellas que ya la conocen la respeten y la amen, aquellos y aquellas que ya la respetan, la amen y aquellos y aquellas que ya la aman rememoren con nosotros nuestra magnífica historia. Este disco es por nuestra forma de vida, por la música que amamos, por la memoria de nuestros héroes”.

Lujuria han buscado el apoyo de Jesús Garrido y Daniel Meilán para dar forma a nueve versiones y un tema propio, “Estrella de Rock”, dedicado a Javier Gálvez. Juntos han buscado que las canciones fuesen lo más fieles posible a las composiciones originales y a la vez darle un punto extra con el sonido actual de Lujuria, por lo que el resultado son unas canciones, que por arte de magia, parecen clásicos compuestos en pleno siglo XXI. El libreto interior es también una parte importante de “Llama Eterna” en cuyo arte la banda ha puesto mucho empeño, incluyendo fotos inéditas de las bandas tributadas así como comentarios de compañeros de sus héroes caídos y que hacen que el libreto desprenda un brillo especial, el brillo de los ojos humedecidos por lagrimas de emoción y recuerdo.

Barricada son la primera banda tributada con “Esta Es Una Noche De Rock And Roll”, tema perteneciente al primer disco de los navarros, en el que tocaba el batería Mikel Astrain, que es a quien está dedicado este tema. Una declaración de principios en un tema que Lujuria hacen suyo desde el primer acorde. La segunda tampoco es moco de pavo ya que se trata de un clásico entre los clásicos como “El Heavy No Es Violencia”, de Bruque, un corte que nos trae ecos del “Breaking The Law” de los Judas Priest y cuyo título se ha convertido en una famosa frase-alegato en los conciertos heavys. Pedro Bruque tiene que estar haciendo cuernos allí donde esté al escuchar la potente versión de los segovianos. Javier Ponce es el siguiente protagonista con el tema de Goliath, “La Fuerza Del Rock”, muy en la onda del primer tema. Una buena oportunidad de recordar a la mítica formación en la que además de Ponce debutaba en esto de la música Angel Arias de Barón Rojo. Su muerte, como en muchos de los casos que aquí tenemos como ejemplo, pasó prácticamente desapercibida para el mundo del Metal.

Las letras picantotas son esenciales en el estilo Lujuria, por eso un tema como “Después Del Concierto” de Topo les viene como anillo al dedo. Buen corte que bordan en lo instrumental con uso de hammond incluido. Homenaje doble a Terry Barrios Y Víctor Ruiz. Pero no son Topo la única banda que perdió por el camino a dos de sus integrantes. Los míticos Burning se dejaron hasta tres (Toño, Pepe Risi Y Arturo Terriza), lo que da cuenta de que hay bandas tocadas por el diablo. “Balada Para Una Viuda” es un tema emotivo, cantado magistralmente por un punky Sancho, con claro protagonismo para las guitarras acústicas en un medio tiempo atroz para el corazón. Mucho más movida y con aires de rock prog se muestra “No Hay Piedad Para Los Condenados”, un tema que roza la épica y cuyas cabalgadas nos hacen pensar en los primeros Iron Maiden. Pero miren por donde Santa no venían de las islas británicas y si acaso nunca llegaron a pisarlas. Eran de Madrid y en 1985 facturaban el disco que lleva por nombre el título de esta famosa canción y en cuya portada aparece Azucena Martín Dorado (a quien se dedica este surco) que posa atada a un palo en el centro de una hoguera como si se tratara de una bruja apunto de ser abrasada. Perfecto homenaje a la primera “female voice” de nuestro país.

Seguimos con este repaso, lentos como una marcha fúnebre, pero seguros como los golpes de caja de la divertida “Necesito Un Trago”, un título que tenía que pertenecer casi por obligación a Tequila, formación que se ha dejado por el camino a Manolo Iglesias Y Julián Infante. Los acordes más emotivos vuelven a hacer aparición hacia el final del disco con la versión de “Tu Frialdad” de Triana (dedicada a Jesús De La Rosa Y Tele Palacios) , balada en toda regla y con “Estrella de Rock” que empieza muy modosa para acabar desmelenándose al más puro estilo Heavy Metal, al más puro estilo Lujuria. No obstante es el único tema compuesto por la banda para la ocasión y con la cual recuerdan a Javier Gálvez. Y precisamente si de Heavy Metal hay que hablar, el tema más “extremo” de todos los incluídos es “Destrucción” de V8, un petardazo como el del tubo de escape de una Harley Davinson y con el cual Osvaldo Civile debe estar chuleándose con sus compañeros de firmamento.

No olvidamos tampoco a Alberto Madrid de Sober, Seni de Exodo; Chiqui de Leño; Joan Cardona de Sopa de Cabra; Miguel Terán, Sergio, Martín y Javi de Thor; Carlos López “El Charras” de Raza; Jean François André de Labanda y Ñu; Javier Encinas “El Moro” de Mermelada; Rafa Zorrilla “El pelucas” de Mezquita; Luis Genil de The Storm; Dios Ponce; los chicos del grupo Santuario y nuestra querida Abuela Ángeles. Si todo va bien algún día haremos “Llama Eterna II” y los que hagan falta hasta que todos tengan su merecido homenaje, para todos ellos el estribillo de “Estrella del Rock”.

Sólo quien lo ama
Le entrega su vida y su corazón
Sólo quien lo ama
Será para siempre estrella del rock

Track List:
1.Barricada - Esta Es Una Noche De Rock And Roll
2.Bruque - El Heavy No Es Violencia
3.Goliath - La Fuerza Del Rock
4.Topo - DespuéS Del Concierto
5.Burning - Balada Para Una Viuda
6.Santa No Hay Piedad - Para Los Condenados
7.Tequila Necesito - Un Trago
8.Triana - Tu Frialdad
9.V8 - DestruccióN
10.Lujuria - Estrella Del Rock