Revision de Annihilator - Annihilator

Nos enfrentamos ante el decimotercer álbum de estudio de los canadienses ANNIHILATOR o lo que es lo mismo, de la banda de Jeff Waters, un guitarrista fantástico que ha visto su carrera repleta de cambios de formación, altos y bajos, pero que su persistencia y fe en sí mismo ha mantenido la llama del grupo encendida.

A su lado vuelve a contar con Dave Padden al mando de las voces y de las guitarras rítmicas, fiel a Jeff desde que Joe Comeau dejara al grupo. El propio Jeff ha sido el encargado de grabar las líneas de bajo y ha contado con Ryan Ahoff para grabar las baterías.

¿Qué podemos encontrar en este disco? Pues ANNIHILATOR en estado puro. Desde la inicial “The trend”, de lo mejorcito de todo el redondo, donde encontramos muchos cambios de ritmo, potencia, velocidad, agresividad, algunos armónicos que nos traen a la memoria tiempos pasados y, por último, el mayor lastre que arrastra la banda desde hace tiempo, la poca calidad de Padden a las voces. En ningún momento es capaz de transmitir la garra y fiereza que una banda de sus características requiere, y a fe que no es culpa suya pues se nota que intenta dejarse la garganta en ello, pero donde no hay no se puede sacar.

Si dejamos de lado ese aspecto, el álbum es notable, con unas composiciones que son capaces de levantarnos del asiento como “Coward”, rápida y agresiva, o “25 seconds”, que comienza jugando con unos ritmos de bajo y batería muy inquietantes para terminar desbocándose a la carrera, con un gran riff de Jeff, volver a jugar con los ritmos y retomar la mala leche.

“Ambush” es un tema bastante más flojo, “Betrayed” nos recuerda a los Annihilator más modernos, especialmente a su anterior METAL, y “Nowhere to go” nos muestra el lado más melódico del combo, con unas estribillos muy dulcificados.

Para el final nos encontramos con 4 trallazos que hace que el disco se acabe casi sin darnos cuenta. “The other side”, “Death in your eyes” y especialmente “Payback” parecen recordar tiempos pasados, con buenos solos de guitarra y buenos cambios de ritmo.

Cierran el disco con una versión del “Romeo Delight” de Van Halen, muy respetuosa con la original, con Jeff disfrutando al mando de las 6 cuerdas, muy cachonda y divertida.

Musicalmente es un buen disco que, sin llegar a ser de lo mejor del grupo, sí mantiene el nivel y se escucha con mucho gusto. Eso sí, Jeff Waters debería pensar seriamente en buscar un cantante que valga la pena y relegar a Dave Padden a las tareas de guitarra rítmica porque así no volverán a sacar discos sobresalientes ya que siempre arrastrarán una tara demasiado grande.

TrackList:

1.- The trend

2.- Coward

3.- Ambush

4.- Betrayed

5.- 25 seconds

6.- Nowhere to go

7.- The other side

8.- Death in your eyes

9.- Payback

10.- Romeo Delight (Van Halen cover)

Revision de Burzum - Belus

Después de no sé cuántos años encarcelado por apuñalar hasta a la muerte al –obviamente desde ese momento– legendario Euronymous, líder de Mayhem en 1993, Count Grishnackh, Kristian “Varg” Vikernes o simplemente Burzum, saca su primer disco de black metal desde el Filosofem en 1996.

La estética asociada a Burzum es bastante conocida por todo blackmetalero, y es generalmente considerada como un parteaguas en el género.

Expectativa es lo que le sobraba a esta producción anunciada hace ya varios meses, pues no todos los días unos los padres del black metal noruego saca disco nuevo. Aunque nuevo, es un término que aplica y no aplica al mismo tiempo para Belus, pues el álbum es un recopilado de canciones antiguas que nunca fueron incluidas en los discos clásicos; todas regrabadas –aunque no pulidas desde luego– lo que nos deja un producto bastante cercano al Burzum que todos conocemos.

Probablemente nadie en el mundo del black metal habría sacado un disco con un sonido más apegado a las raíces, eso debe ser resaltado, pero ¿impacta, impresiona como las primeras entregas? En mi opinión lo logra a medias.

Himnos lentos y repetitivos como Morgenroede, o Keliohesten con un tempo rápido y rudimentario, cubierto de riffing black directamente sacado de 1992, acaban por oscurecerse pues despliegan un sonido que hoy en día es practicado por 10 bandas en cada país donde exista una escena metal.

Pero que no se me malinterprete, Burzum es dueño, creador de un gran porcentaje de ese sonido, tan básico y tan fundamental que de no haber existido, hubiera causado que el black metal fuera una cosa totalmente diversa.

El disco viene con su pizca de controversia, pues originalmente se pensaba titularlo Den Hvite Guden (El dios blanco), pero las suspicacias sobre el pensamiento aparentemente racista de Vikernes, hicieron que se decidiera por Belus.

El valor de un disco de este tipo puede ser puesto en duda, debatido o alabado. Todo porque su creador es leyenda. Yo me limito a inspeccionar el edificio sonoro y encuentro ideas elegantes, etéreas, repeticiones catárticas, casi como mantras musicales que definitivamente pueden inducir al trance que sólo Burzum puede. Pero todas estas imágenes fueron exhumadas después de 20 años de yacer bajo tierra o vivir tras las rejas, como ustedes lo prefieran.

TrackList
1-Leukes Renkespill (Introduksjon)
2-Belus' Doed
3-Glemselens Elv
4-Kaimadalthas' Nedstigning
5-Sverddans
6-Keliohesten
7-Morgenroede
8-Belus' Tilbakekomst (Konklusjon)

La calidad está ahí, los riffs clásicos también, pero la relevancia… esa se las quedo debiendo.

Revision de Finntroll - Visor Om Slutet

Finntroll ha sido una banda a lo largo de su carrera que ha ganado un lugar entre los mas grandes exponentes del metal, popularizando el Humpa Folk Metal que combina la música polca de Finlandia (conocida como Humpa) con elementos del Black metal además de cantar las canciones en sueco lo cual le da un toque mas Troll, como dirían sus miembros.

En 2003 vio la luz un proyecto que vendría a innovar a el saturado mercado del Metal en general, que para muchos la banda debió seguir esa línea, Visor om Slutet (canciones sobre el Fin) un ep grabado en una cabaña dentro de un bosque en Helsinki que resulto en una obra maestra a nivel de composición, gran atmósfera y excelentes melodías

Nos encontramos con un “experimento acustico” en el cual estuvo lleno de polémica ya que antes de salir al mercado uno de sus miembros fundadores murió trágicamente al saltar de un puente. El álbum cuenta con mucha innovación, ya que usan instrumentos poco usuales como lo es el Mirlitón (una especie de tubo que modifica la voz).

Empezamos con "Suohengen Sija" (El Hogar del Espíritu del Pantano) donde nos produce una atmósfera increíble llegando a ser una especie de Intro como para preparar el ambiente propicio para "Asfågelns Död" (La Muerte del Pájaro Carroñero) que nos sumerge con una voz que nos hace pensar que un Troll o Gnomo nos están contando la historia, además de una pegajosas melodía con la que continua la pieza mas enérgica del proyecto "Försvinn Du Som Lyser" (Márchate, Tú Que Brillas) una especie de polca con voces guturales y arreglos de varias voces, además de poseer una melodía bastante humorística donde nos transporta de nuevo a una especie de fiesta de trolls. Sigue "Veripuu" (Árbol de Sangre) otra introducción para un excelente arreglo musical muy a lo power metal combinando folklor medieval la cual se llama "Under Varje Rot och Sten" (Bajo cada Raíz y Piedra) el cual no aporta material muy significativo, igual que "När Allt Blir Is" (Cuando todo se convierte en hielo) pero entra "Den Sista Runans Dans" – (El baile de la última runa) una poderosa y melancólica balada Troll, donde es importante rescatar que este Ep tiene su fortaleza en transportarnos, en llevarnos dentro de la historia.

"Rov" (Presa) inicia con sonidos de alguien comiéndose algo o a alguien, un buen trabajos a ya que la calidad del álbum a nivel de sonido es muy alto, "Madon Laulu" – (La Canción del Gusano) nos introduce en un viaje a través de algún “mercado Troll” donde cabe mencionar que los efectos sonoros y de ambientación son el fuerte del Ep, dando a paso al Track mas “normal” por decirlo asi del proyecto "Svart Djup" (Negra Profundidad) una pieza con una estructura mas definida pero con la instrumentación peculiar del Ep, terminando llega "Avgrunden Öppnas" (El Abismo se Abre) un epilogo instrumental.

Es necesario aclarar que este Ep es totalmente acustico y que no hay que esperar al fintroll pesado que conocemos, es una ventana hacia una propuesta casi conceptual, un disco que te transporta y se disfruta pero eso si, si uno tiene los oidos dispuestos y con una mente abierta, el gran problema de este trabajo es que es muy corto y nos deja con ganas de mas. 

Revision de Lujuria - Enemigos De La Castidad

Enemigos De La Castidad, es definitivamente el disco que consagraría a Lujuria dentro de todo el Heavy Metal español, además de considerar a Oscar Sancho como uno de los Frontman más carismáticos del género. Como sorpresa está la inclusión de Nuria De La Cruz, más conocida como Lilith, que llega como la tecladista oficial del grupo, así le da más solidez al grupo y define un sonido más concreto. Y como si esto fuera poco como cantantes invitados están, Pacho Brea que en su momento fuera el cantante de Ankhara y ahora con la grupación Hybris y Silvero Solorzano también conocido como “Silver” en todo el medio español y quien fuera el cantante de Muro y ahora con la agrupación Silver Fist.

El disco como ya es habitual por Lujuria presenta un alto contenido de temáticas sexuales, pero fuera de ser irracional las letras están compuestas con gran creatividad, carisma y humor, lo cual llega a demostrar una cosa y es la madurez que alcanza una banda como Lujuria. Enemigos De La Castidad inicia con el tema Por Encima De Nuestros Enemigos (P.E.N.E.), que es sin mucho que decir una intro excelente, corta pero concisa, posee un solo agradable de guitarra acompañado de melodías sinfónicas de teclado para así dar paso al tema Lección De Sexo, que muestra y llega a definir el concepto de Lujuria, además demuestra el sonido maduro y trabajado que los Segovianos tenían para esa época.

Lilith es un tema tributo a la historia Eclesiástica que relata que Eva no era la primer mujer de Adán, pero fuera de profundizar ese tema la canción no hace sino ratificar el excelente momento vocal que goza Oscar Sancho, además del nivel compositivo por parte del resto de los miembros. No soy Carne De Cañón es de esos temas que logran convertirse en verdaderos himnos, una letra que nos enseña a vivir y sobre todo a reconocer que la vida no es complicada, sino más bien algo que debemos aprender a llevar. No Soy Carne de Cañón sin duda es uno de los más representativos de este disco. Cinturón De Castidad es otro gran tema que musicalmente es del mismo corte del anterior pero con una letra que nos cuenta una bella historia de aquellos tiempos de cruzadas y guerras medievales cuya letra dice así: “No se ata con cuerdas un poderoso dragón / No se tapa con hierro un torrente de pasión”, esta es una de esas canciones que llevan el sello de Lujuria.

María Martillo (Una Santa), inicia con una bella intro de teclado que después se complementa con un poderoso “tapping” de guitarra para finalizar con el rudo y clásico sonido de Lujuria, y que al igual que muchos temas de los segovianos lo que trata es traernos historias y leyendas a nuestra realidad adaptadas en forma de canción. María Martillo es una canción con excelentes arreglos de teclados y donde Nuria “Lilith” De La Cruz se luce de gran forma. Beso Negro es quizás el más Rockanrolero, es un tema cargado de mucho humor además de un letra llena de mensajes sexuales, que definitivamente con solo el título se sabe por anticipado que es lo que se puede encontrar en esta canción.

Mr. Condom, es quizás la canción menos representativa de este disco, pero eso no significa que sea malo, sino más bien es un mensaje que ya Lujuria acostumbra a dar, esta es una de esas canciones también se llevan el sello de Lujuria tanto por su música como por su letra, aunque sin bien es cierto no es un gran tema de los españoles. Larga Vida Al Rock'N'Roll es, como ya de costumbre en los Lujuria, homenajear al Heavy Metal español y en esta canción hay dos sorpresas, la primera de ellas es que es una enorme versión de los clásicos Barón Rojo y la segunda son los invitados de lujo. Silver Solorzano (Silver Fist) y Pacho Brea (Hybris) de gran manera desempeñan un himno como este y lo hacen de una gran forma, demuestran que versiones clásicas perfectamente se pueden adaptar sin perder el sonido de cada agrupación y darle ese toque original.

Y casi llegando al desenlace está la poderosa y enigmática Merece La Pena que es sin duda un himno para todos los músicos que saben lo dura que puede ser la vida que llevan. Es una canción que solo al escuchar el estribillo nos damos cuenta lo que realmente significa la música tanto para los fans como para gente encargada de hacerla y convertirla en maravillas: “El Rock 'N' Roll merece la pena aunque es duro no me quejo es mi pasión lo llevo en las venas”. Es un tema que sin duda logra convertirse en clásico. Además, contiene gustosos arreglos de teclado y guitarra que no hacen más que engrandecer el sentimiento Heavymetalero y a sus exponentes, que con mucho empeño logran hacer un trabajo digno de valorar.

Para finalizar esta la cómica y clásica canción llamada La Favorita Del Rey, un tema con un agradable arreglo de flauta traversa, muy a lo Medieval pero con la crudeza que caracteriza a Lujuria, una canción arriesgada para cerrar un disco de gran calidad como lo es este, ya que nos deja la sensación de querer escuchar más. Digna de ser interpretada en vivo, con una voz de Sancho que demuestra la habilidad de adaptar versos complicados y altos como los que hay.

Sin duda alguna el mejor disco de Lujuria, creo que para nadie es un secreto que este es un disco de lujo, donde no se esconde nada y nos llena de grandes sorpresas, es un álbum de gran calidad compositiva y en cuanto a la producción la más madura de todas. Un disco que, como ya lo mencioné antes, llega a ratificar el excelente momento de la banda en general, además de la posibilidad de tocar en escenarios más grandes dentro de todo el territorio español. Sin más que decir este se puede catalogar como el mejor disco de Lujuria y merecedor de grandes críticas, además de ser un disco recomendado para los amantes del Heavy Metal español.

TrackList:

1. Por Encima De Nuestros Enemigos (P.E.N.E.)

2. Lección De Sexo

3. Lilith

4. No Soy Carne De Cañón

5. Cinturón De Castidad

6. María Martillo (Una Santa)

7. Beso Negro

8. Mr. Condom

9. Larga Vida Al Rock'N'Roll

10. Merece La Pena

11. La Favorita Del Rey

Fuente: Metalicos

Revision de Ch’aska - Pururauca

Ch’aska es una banda peruana originaria de la ciudad de Arequipa, y debuta en este 2009 con Pururauca a través de Mythic Metal Productions.

Formados en el 2000, ya tienen un buen rato haciendo ruido en su natal Perú, y la historia antigua de su patria es el ingrediente secreto que hace de su sonido una propuesta fresca y novedosa en el reino del folk metal.

Usualmente asociamos folk con flautas de pan, gaitas, acordeones y vikingos con hachas o tomando cerveza en el bosque, pero viniendo de Suramérica la cosa es un poco diferente.

Con sus fundamentos tomados del death y el thrash más clásico, Ch’aska se aventuró a incluir en su alquimia sonidos de los instrumentos típicos andinos: Quena, zampoña y charango, pero la sorpresa no se agota ahí, ya que su arte sobrepasa –y por mucho– el nivel promedio del metal underground.

Bicolour Cannibalism es un trallazo death-thrash hiper veloz y rítmico que abre las puertas a un disco que de arriba a abajo tiene algo muy importante: enganche. La propuesta atrapa, el sonido es pesado, directo y producido de forma totalmente profesional (¿quién no tiene acceso ahora a las herramientas para hacer grabaciones de calidad?).

Los pequeños pasajes e interludios folk son de una belleza absoluta y encajan magistralmente en la estructura del disco. Nymph of the Lake es el mejor ejemplo.

Pictures, con su riff melódico-armónico apoyado en una guitarra rítmica simple, es un himno de igual o mayor calidad que cualquiera de su tipo entre las bandas europeas de folk. Las voces cubren rangos que van desde lo gutural, lo rasposo tipo black hasta la voz limpia, y en cada una de sus caras se mantiene a la altura de la obra.

La temática lírica naturalmente hace referencia a la historia de los pueblos aborígenes peruanos, lo que sale totalmente a flote en la última canción del disco, la épica Pururauca de 14:42 minutos –única cantada en español en todo el disco– que narra la historia de la batalla de Yahuarpampa (en quechua: llanura de sangre), en que el ejército Inca liderado por Pachacutec, derrotó a los invasores Chancas en 1438 (esa es una historia que HAY que leer por cierto!). Uno de los mejores cortes épicos en la historia del metal latinoamericano sin lugar a dudas.

Absolutamente recomendado, metal de calidad superior al promedio, excelente sonido y composiciones, ideal para quien quiera expandir su concepto de folk metal.

Websites: www.myspace.com/tutachaska

TrackList:
1-Bicolour Cannibalism
2-A Flower Brought Me Down
3-Nightcalls
4-Nymph of the Lake
5-Achuma
6-Pictures
7-Tuta Ch'aska
8-Silent Notes of Agony
9-Katari
10-Pururauca

Fuente: Metalicos

Revision de Whiplash - Unborn Again

Tony Portaro está de vuelta; claro que, muchos se preguntaranquien narices es este tío. Pues bien, Tony Portaro es el fundador de una banda de culto como Whiplash, un auténtico clásico del Thrash a los que siempre se les nombra como influencia dentro del género pero los cuales han sido relegados a un más que segundo plano en todo momento.

Casi diez años después de su último disco (“Thrashback”), los Whiplash vuelven a la escena metalera con dos referentes en la banda como son el vocalista/guitarrista Tony Portaro y el batería Joe Cangelosi, recientemente reclutado tras su marcha de la banda, acaso para recuperar el sonido más clásico donde estos dos personajes pusieron su impronta; me estoy refiriendo a discos como “Ticket To Mayhem” e “Insult To Injury” a los cuales guiñan el ojo en este nuevo disco ya no solo en lo musical sino también en el dibujo de la portada (genial Ed Repka) donde podemos observar el parque de atracciones Whiplash (en clara referencia al Ticket) y al chico de la muleta que espera para comprar su entrada y que fuera protagonista de la portada del Insult.

Musicalmente, ¿Qué nos podemos esperar en este “Unborn Again”?...pues no demasiada cosa, no os vayáis a pensar. Reconozco que Whiplash es una banda que incluso para un fanático del Thrash Metal como yo, ha pasado un tanto desapercibida y la verdad es que tras la escucha de este disco entiendo algo mejor el porqué… Sonido clasicote a más no poder, orientación por ese Thrash con fuertes raíces heavys de cadencia lenta (que no pesada) junto a unas excesivas melodías vocales en pos de la caña y velocidad más propias de un estilo del que, aparentemente, son influencia. Estamos ante un claro ejemplo de banda que ha sido pisada y maltratada por las nuevas generaciones, las cuales tienen bastante más que ofrecer que el refrito de riffs manidos, baterías opacas y patinadas vocales que podemos encontrar en “Unborn Again”.

No empieza mal la cosa con “Swallow The Slaughter”, que logra tocarnos la fibra sensible a base de hacernos viajar dos décadas atrás. De primeras noto que la voz de Tony Portaro no pega demasiado en una banda Thrash, aunque reconozco que puede quedar curiosa aún recordándome, sobre todo en algunos cortes, a un Jon Oliva (Savatage) con un resfriado de tres pares. Estamos ante un corte que cumple con el cometido de hacernos mover la cabeza. En “Snuff” (uno de los cortes más acelerados) notamos una batería un tanto anárquica, sobre todo en el uso del doble bombo, y es que creo que el Sr. Cangelosi va demasiado a pecho descubierto en lo que a técnica se refiere. Buenos coros y un riff que se te mete de lleno en las meninges hacen que “Snuff” reciba el aprobado.

A partir de aquí la cosa se difumina bastante, bien porque la banda empieza a repetir esquemas o porque en los cortes más distintos no me logran convencer. Dentro de estos últimos (que no son muchos) tenemos unas muy heavy-rockeras “Firewater” y “Hook In Mouth” que usando la misma comparación que hacía anteriormente, me recuerdan a unos primitivos Savatage en versión “lata de sardinas” (con su aceite de “Oliva”). Temas interesantes sí, pero quizá no lo que espera un seguidor del estilo.

Cabe mencionar antes de finalizar, que la típica instrumental que siempre se incluye en este tipo de discos, aquí titulada “Parade Of Two Legs”, aporta más bien poco y desde luego no está bien diseñada para los que gusten de moshear. Antes de finalizar, Whiplash se marcan una versión del “I've Got the Fire” de los no menos clásicos Montrose, cantada por Cangelosi y que pasa por ser de lo más interesante de este irregular trabajo.

Tras la escucha de “Unborn Again” no se si alegrarme por la vuelta de Whiplash o darle la razón a los verdugos que sentencian todo aquello que suene a revival. Lo único que se, es que a mi cabeza llega un único pensamiento:menudos tres…no me extraña que sean olvidados y queridos al mismo tiempo...

Fuente: Metal4All

Revision de Death Angel - Sonic German Beatdown

Cuando allá por el año 1990 Death Angel decidieron aparcar sus instrumentos, seguro que no pensaban que casi veinte años después iban a gozar del reconocimiento que siempre les faltó, o al menos gran parte del mismo. En el año 2004, la banda decidía dar continuidad a su último disco hasta ese momento (“Act III”), con el fantástico “The Art Of Dying” y muy pronto fue subiendo su popularidad, propiciada por una cantidad enorme de conciertos y sobre todo por la sed de Thrash Metal de una escena dispuesta a revitalizar el estilo apoyando tanto a viejas leyendas como a nuevas formaciones. Sea como fuere, las nuevas juventudes parece que se han propuesto poner en su sitio a gran parte de esas bandas que en su día fueron relegadas a una segunda división. Las nuevas tecnologías han propiciado, además, que miles de usuarios pudiesen acceder a un montón de joyas “escondidas” del denominado Thrash Old School; las camisetas de Metallica y Megadeth se han sustituido por las de Nuclear Assault, D.R.I., Sadus y Voivod, que lucen en perfecta sintonía con las de bandas del momento como pueden ser Municipal Waste, Bonded By Blood o Warbringer.. y por supuesto la gente nos e ha olvidado del merchandising de Death Angel, ni tampoco de asistir a sus enérgicos conciertos.

Death Angel han aprovechado su excelente estado de forma para editar el primer DVD de su historia y al menos ahora no se puede poner la excusa de que no hay documento visual que lo atestigüe. “Sonic German Beatdown – Live In Germany” se compone de un DVD y un CD en directo de uno de los conciertos incluidos en formato video. El DVD en si está compuesto de dos conciertos y un par de videoclips. En cuanto a los conciertos, el primero data de 2007, con la banda en plena fase reivindicativa tras la edición de “The Art Of Dying”, que supusiera un gran pelotazo para hacer creíble el denominado “revival thrash”. Este concierto fue celebrado en el festival organizado por la revista Rock Hard y nos muestra a una banda en perfecto estado de forma, divertida, enérgica y totalmente volcada con su público, haciendo gala de esa cierta actitud punk que caracteriza el sonido de estos filipino-americanos. Un set basado prácticamente en sus mayores éxitos como “Seemingly Endless Time” que abre de forma muy directa, la clásica y larga “The Ultra Violence”, la pegadiza ideal para moshear “Misstress Of Pain”, la siempre potente y hardcoriana “Kill As One” y muchas otras entre las que destacaría dos bombazos como son “Voracious Souls” y “Thicker Than Blood”.

Este directo es el que puedes disfrutar en el CD que acompaña a este lanzamiento.

El segundo directo que podemos visionar es el “Live In Adelsheim/Live Factory”, de un año después y con la banda estrenando otro pepinazo de disco como es “Killing Season” que los ayudó a subir el mercurio en el termómetro de popularidad metalera. Este directo, más completo que el del año anterior, repasa por supuesto sus mejores temas y otros como “God Vs God”, “Carnaval Justice” o “Dethroned” de la nueva cosecha. En líneas generales este es mejor documento visual que el anterior, con una banda entonadísima y con bastantes temas distintos respecto al otro concierto, así como de las indispensables en cualquier concierto actual de la banda “Evil Priest” y “Lord Of Hate”.

Por último se añaden también los videoclips de los temas “Thicker Than Blood” del disco “The Art Of Dying” y la versión no censurada de “Dethroned” del más actual “Killing Season”.

Live Rock Hard Festival

1.Intro

2.Seemingly Endless Time

3.Voracious Souls

4.Mistress Of Pain

5.EX-TC

6.3rd Floor

7.Thrown To The Wolves

8.5 Steps Of Freedom

9.Thicker Than Blood

10.The Devil Incarnate

11. Disturbing The Peace

12.Stagnant

13.The Ultra Violence (Introduction: Carnival Justice)

14.Bored

15.Kill As One

Live In Adelsheim:

1.Lord of Hate

2.Evil Priest

3.Sonic Beatdown

4.Dethroned

5.Voracious Souls

6.Carnival Justice

7.Buried Alive

8.Soulless

9.When Worlds Collide

10.Seemingly Endless Time

11.God vs. God

12.Steal The Crown

13.Devil Incarnate

14.3rd Floor

15.Kill As One

16.Resurrection Machine

17.Thrown to The Wolves

18.Thicker Than Blood (Bonus Video)

19.Dethroned (Bonus Video)

Fuente: Metal4All

Revision de Megadeth - EndGame

Como suele pasar con los grandes grupos, con aquellos que otrora llegasen muy alto, y que (algo renqueantes) han conseguido más o menos mantenerse, el nuevo disco de estudio de MEGADETH ha generado muchas expectativas. Y no es para menos. Tras una carrera llena de altibajos, donde los “alti” han sido discazos memorables, y los “bajos”, simplemente fruto de la experimentación, tras el abandono del señor Ellefson (último miembro original y perenne que abandonó el barco por discrepancias con el difícil Mustaine) y dos discos que prometián mucho, y pese a las buenas maneras, no llegaban a llenar del todo, el Papá de Dios, Mustaine, vuelve con un disco duro, con lo más intenso que ha salido de sus dedos desde el “Rust in Peace”.

Al menos podemos decir que este “Endgame” es el mejor disco de su nueva etapa iniciada en 2004. “The System Has Failed” y “United Abominations” contaban con muy buenos temas, explosivos arranques, pero con demasiado relleno. En “Endgame” van un paso más allá, y nos ofrecen un disco caliente, caliente, con sus fallos, por supuesto, pero que demuestra unas enormes ganas por volver a ser grandes, por volver a hablarse mucho de ellos y del sonido thrash que les vio nacer.

Como nota curiosa mencionar que en la portada del disco, no aparece el omnipresente VIC, mascota de la banda desde sus inicios, y que solo ha abandonado su posición en el criticado “Risk”. Al menos, eso sí, dicha portada parece elaborada, y si bien no en exceso, da una idea de lo que dentro nos encontraremos: sonido potente, aplastante y sobre todo, directo. En cuanto al sonido, todo son detalles positivos: una masterización perfecta, acorde con lo que se puede esperar y sin ninguna nota negativa, permitiéndonos disfrutar de los temas al 100%. Es impresionante notar la adaptación de Drover, Broderick y LoMenzo a la banda, siendo ya miembros de esta por derecho propio, y no simples acompañantes de Dave Mustaine: Shawn Drover arrasando como una apisonadora, Chris Broderick con un trabajo impresionante, para nada a la sombra de Mustaine tanto en los solos, como en los riffs, y James LoMenzo eficaz al máximo, haciendo olvidar la época de Ellefson, si no fuese por los pesado de su nombre.

En cuanto a los temas, nos encontramos como ya decimos, con un disco explosivo, y sobre todo, muy homogéneo. Con pocos riffs de relleno y bastantes detalles a disfrutar con cada escucha. Y la cosa empieza bien con la intro “Dialectic Chaos”. Riff machacon y punteo “made in Megadeth” que nos lleva al “Rust In Peace”, y nos deja los dientes largos, esperando algo similar a ese discazo. Por cierto, mención especial al solo de Broderick, que como decimos, se sale en este disco, y deja de ser un desconocido para la mayoría. “This Day We Fight!” arranca tras la intro como una descarga de dinamita, con riffs veloces y asesinos, y manteniendo parte del sonido de los dos pasados discos, lo cual hace que la adaptación a este “Endgame” parezca mucho más natural.

Pura adrenalina que se suaviza con “44 Minutes”, un tema más pausado, de riff machacón y estribillo pegadizo lleno de melodías más facilonas y eficaces. Recuerda mucho a temas del “Cryptic Writings”, lo cual no deja de ser buena noticia. Pero volvemos a la velocidad con “1,320”. Temazo en toda regla, riffz veloces y repetitivos como hace tiempo no escuchábamos. Nos vamos a los MEGADETH iniciales, con rabia y muy mala leche, y la voz de Mustaine también cercana a la de sus primeros años, añadiendo más dosis de rabia que de melodía. Desde luego, digna referencia a “Hangar 18”, mucho más de lo que fue “Return to Hangar”. Con solo una escucha, nos quedamos en la cabeza con estos riffs ya para siempre. Y eso es lo que más nos gusta... ¿o no?

“Bite The Hand That Feeds” nos devuelve a los últimos discos, sobre todo al “United Abominations”, con riffs buenos y pegadizos, pero con algo menos de velocidad. Sonido inconmensurable y muy deliciosas las voces de Mustaine, manteniendo su toque característico mientras discurre por las subidas y bajadas de tono. Gran tema que en este caso necesita de dos escuchas para llegar a convencernos plenamente. Y como parece que MEGADETH nos quiere regalar un repaso al sonido de toda su carrera, “Bodies Left Behind“ suena más oscuro, con los riffs más pesados y melodías vocales exquisitas a lo “Youthanasia”. Todo un deleite de principio a fin.

Llegamos a la parte central del disco con la homónima “Endgame” y su inicio épico y casi apocalíptico. Ritmo más pausado y contundente que al rato se incrementa con una batería que cabalga con toda intención como base a riffs “destrozamuñecas”, con mucho deje al “Countdown to Extintion”, algo que también desprende el siguiente “The Hardest Part of Letting Go... Sealed With A Kiss”, aunque con un inicio muy épico que también recuerda a uno de sus discos injustamente menos valorados: “The World Needs a Hero”. Puede que no lo parezca a simple vista, pero creo que es un tema muy bueno para la parte media de un directo.

Tras el relativo relax, volvemos a los riffs vertiginosos y punteos endemoniados con “Headcrusher”, otro de esos temas que recuerdan al “Rust In Peace”, una rompecuellos en toda regla. Parecía que nunca volveríamos escuchar temas nuevos de este estilo, y quizás es eso lo que más nos hace babar. El thrash por el que MEGADETH fue elevado al Olimpo, parece que vuelve para nuestro deleite.

El final del disco llega con “How The Story Ends”, algo más soso que el resto, o quizás así nos parezca tras el trallazo que acabábamos de escuchar. Necesita un par de escuchas para entrar del todo, pues contiene riffs pesadotes y un estribillo bastante pegadizo que no podemos echar a la basura sin más. Con la última “The Right to go Insane” se despiden por la puerta grande, volviendo a sus riffs pesados y contundentes de los noventa y unas melodías muy pegadizas que suenan a MEGADETH 100%.

Lo mejor de todo es la sensación que se nos queda tras la escucha. Personalmente me esperaba un disco similar al “The System Has Failed” o “United Abominations”, pues con ellos también nos prometían una vuelta a los riffs abrasivos, y solo lo conseguían en algunos temas. En “Endgame” han hecho un genial repaso al sonido de toda su carrera, con ninguna nota que despreciar, con riffs de los que nos gustan y completando un disco que a la primera gusta e impresiona, pero a la segunda, enamora. ¿Han vuelto definitivamente a su sonido más alabado?.

Temas:

01 - Dialectic Chaos

02 - This Day We Fight!

03 - 44 Minutes

04 - 1,320

05 - Bite The Hand That Feeds

06 - Bodies Left Behind

07 - Endgame

08 - The Hardest Part Of Letting Go... Sealed With A Kiss

09 - Headcrusher

10 - How the Story Ends

11 - The Right To Go Insane

Fuente: MetalTotal

Endgame Track-By-Track por Dave Mustaine

Aca un par de videos sobre el endgame, por el padre del Thrash Metal, Dave Mustaine

http://www.roadrunnerrecords.co.uk/page/News?news_id=82585

http://www.roadrunnerrecords.co.uk/page/News?news_id=82748

Revision de Ozzy Osbourne - Blizzard Of Ozz

A finales de lo 70´s, después de todo lo conseguido por la legendaria banda Black Sabbath, Ozzy Osbourne se despide de la misma y no precisamente con muchos créditos de la cuenta, el resultado final de este acontecimiento fue la gran depresión en la que cayó Ozzy. Al poco tiempo, su ahora esposa Sharon, lo logra rescatar de todo ese abismo y volver a involucrarlo en la música. También, y uno de los puntos más importantes, es que encontró a un joven profesor de música de tan solo 22 años llamado Randy Rhoads, que no solo hacia magia con la guitarra sino que también era un gran compositor y sobre todo un amigo de Ozzy. Con todos estos complementos y cargado con más energía, en 1980 se pública el disco Blizzard Of Ozz.

Como inicio del disco se encuentra el tema I Don´t Know mostrando esos grandes riffs de Randy, además del poder de la creatividad de los miembros y por supuesto la inconfundible voz de Ozzy. A los pocos minutos la canción nos muestra una melodía central agradable, demostrando que Ozzy y compañía tenían mucha música que dar.

Con el segundo tema llamado Crazy Train seguimos la misma tendencia musical que el tema anterior, pero esta vez con más fuerza y más presencia en la guitarra de Rhoads, para nadie es un secreto que esta canción logro convertirse en un gran single y ser un himno para cantar una y otra vez, cuya letra más o menos dice así: “I'm going off the rails on a crazy train”. Una canción que lograría mucho y definitivamente marcaría una gran perspectiva acerca del trabajo de Randy; y no solo eso, sino demostrando las grandes capacidades del joven guitarrista.

Goodbye To Romance es la baladita del disco, con una letra donde Ozzy nos cuenta un poco de su vida personal, la canción tiene buena forma, pero no muestra nada novedoso; esto quiere decir que hay melodías similares en otras canciones. El cuarto tema llamado Dee es una instrumental compuesta por Randy, allí se puede escuchar y notar la gran influencia clásica del guitarrista y aunque el tema apenas alcanza los 50 segundos, es un agradable puente para la canción que sigue.

Esta canción causó polémica y hasta censura en algunos de los países más conservadores, Suicide Solution otro gran corte y como ya dije antes con un poco de polémica pero nada nuevo que Ozzy no supiera enfrentar. Sigue otra obra maestra, Mr. Crowley, con una gran intro y arreglos de teclado da inicio y como no, un gran tema digno de ser interpretado en vivo y que demuestra nuevamente las grandes capacidades de Rhoads y como compaginaban todos los miembros de la banda.

No Bone Movies, que al igual que el resto de los temas sigue la misma línea compositiva y sin nada diferente. Ya casi cerrando el disco se encuentra Reveleation (Mother Earth), que tiene una letra muy interesante acerca del papel de la madre tierra, el hombre y Dios, pero desde un punto de vista menos profundo y más enfocado en la realidad social. El último tema Steal Away (The Night), es una gran canción, explosiva y acelerada, un gran cierre para el disco debut de la carrera en solitario de Ozzy.

Un disco cargado de curiosidad, ya que muchos esperaban saber el resultado de Ozzy fuera de Black Sabbath, y para fortuna de sus fans y del mismo Ozzy, sería un gran inicio. No podemos olvidar la gran fuente de apoyo que fue Sharon y sobretodo la inclusión de la guitarra de Randy, lamentablemente fue una historia muy corta. Un disco para disfrutar y por supuesto para recordar que Ozzy después de Sabbath no había muerto. Bien por el trabajo de toda la banda y de Sharon por levantar algo que casi estaba perdido.

TrackList:
1. I Don't Know
2. Crazy Train
3. Goodbye To Romance
4. Dee
5. Suicide Solution
6. Mr. Crowley
7. No Bone Movies
8. Revelation (Mother Earth)
9. Steal Away (The Night)
10. You Lookin' At Me Lookin' At You

Fuente: Metalicos

Revision de Twisted Sister - Stay Hungry

No se puede hablar de la historia del Hard Rock y del Heavy Metal sin nombrar a TWISTED SISTER. Y no se puede hablar de los americanos, sin nombrar su disco más laureado y lleno de clásicos, no solo de su carrera, sino como decimos, de todo el Heavy Metal. “Stay Hungry” es un disco de los que no puede faltar en ninguna colección de amantes de esta música, junto a otros discos de W.A.S.P., KISS o IRON MAIDEN. Sencillamente, es un pecado y gordo. Fue el tercer disco de estudio de TWISTED SISTER, y el que les catapultó definitivamente al reconocimiento mundial, pero no todo fue tan fácil.

La historia comienza en 1973, cuando Jay Jay French se une a SILVERSTAR, y tras la sugerencia del vocalista Michael Valentine, la banda cambia su nombre por el de TWISTED SISTER. Al poco tiempo, abandonan el propio Valentine y el guitarrista Billy Diamond, entrando en 1975 Eddie “Fingers” Ojeda en su lugar y ayudando en las voces al propio French. Hasta 1976, la banda se completó con Kevin John Grace que reemplazó a Mel “Starr” Anderson a la batería, y Kenny Neil al bajo, y fue en ese año cuando el carismático Dee Snider se unió como vocalista y principal compositor, aportando un aire algo más metalero al glam-rock que venían haciendo. De nuevo otro cambio de batería, entrando Tony Petri en lugar de Grace, y TWISTED SISTER empezó a conocerse en los pubs de New Jersey, New Your y Connecticut, en gran parte por su imagen glamurosa y el saber hacer de Snider como frontman. EN esa época empezó a forjarse el pseudónimo de sus fans de “S.M.F.F.O.T.S.” (“Sick MotherFucking Friends of Twisted Sister”), porteriormente abreviado a “S.M.F.” (“Sick Mother Fuckers”).

Pero si bien ya contaban con una decente legión de seguidores, las discográficas estadounidenses no apostaron por ellos, debido a que su glam-metal no estaba precisamente de moda. Bajo la producción del famoso Eddie Kramer y con su propia discográfica, lanzaron dos sencillos: “I’ll Never Grow Up Now/Under the Blade” (1979) y “Bad Boys (Of Rock and Roll)/Lady’s Boy” (1980). Antes de estos lanzamientos, el bajista Neil abandonó la formación por discordancia con las ideas del grupo y sus nuevas creencias cristianas, y en su lugar entró el técnico y amigo de la banda Mark “The Animal” Mendoza. Después sería Petri quien se marcharía, siendo reemplazado por Richie Teeter y posteriormente por “Fast” Joey Brigton... y más adelante por A.J. Pero. En este punto, se mantendría la formación clásica de la banda.

En lo musical, TWISTED SISTER abandonó Estados Unidos y se lanzó al Reino Unido en busca de discográfica. Lo consiguió en 1982 con la pequeña Secret Records, con quien lanzarían su primer EP “Ruff Cutts”. Le sigue el primer disco “Under the Blade” (1982), y pese a ser casi underground, el reconocimiento les llega por fín y empiezan a telonear a bandas como MOTÖRHEAD. Pero al poco tiempo, Secret Records quiebra y la banda vuelve a quedarse sin contrato. En esta época, la banda adopta su look más femenino y extrambótico que a día de hoy mantienen, alejándose del look de otros grupos de Glam-Rock, y añadiendo cuero y cadenas para una imagen más “metalera”.

En 1983, Atlantic Records, quienes anteriormente les habían rechazado, firman un acuerdo con la banda y lanzan “You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll” (1983). El disco suena mejor que su predecesor, más heavy incluso que este y la banda alcanza mayor reconocimiento. La discográfica apuesta por ellos, y graban el primero de sus vídeos: “You Can’t Stop Rock’n’Roll”.La fama internacional llamaba a las puertas, y ahora llegaba el momento de la verdad: un tercer disco que les catapultara al éxito, o les cubriera de barro.

En 1984 sale a la venta “Stay Hungry”, con un sonido algo más comercial que los anteriores, pero manteniendo su característico toque metalero. Fue todo un éxito, y la banda llegó a lo más alto, con un exitoso tour donde incluso fueron teloneados por unos jóvenes MEALLICA. Los grandes clásicos de la banda están en este gran disco, y año tras año son coreados por miles de personas. Tiene ese “algo” especial que pocos discos consiguen, y es por ello que se le considera como uno de los grandes clásicos del Heavy Metal. Posteriormente lanzarían otros grandes discos como “Come Out and Play” (1985), con el video de “Be Cruel to Youe School” prohibido por la MTV y que desprestigió bastante a la banda, que posteriormente lanzaría un “Love is for Suckers” (1987) que no obtuvo el éxito esperado por lo pop de su sonido, y por los decadentes y escasos shows sin maquillaje que ofrecieron. Ese mismo año, Dee Snider deja la banda, y esta se separa y cancela su firma con Atlantic Records.

Pero una vez hecha esta extensa cronología de hechos, volvemos al disco en sí. “Stay Hungry” arranca con su tema homónimo, y un ritmo pegadizo que no nos podemos quitar de la cabeza. Una producción algo sucia, pero que genera parte de su encanto, con un bajo enorme casi por delante de las guitarras. Tras el gran tema, escuchamos una de las frases míticas de cualquier bar de hard-rock que se precie: todo el mundo cantando “We’re Not Gonna Take It”. ¿Qué podemos decir de este clasicazo? Un himno compuesto a base de un ritmo y un par de riffs bien sencillos pero con una eficacia enorme. Snider enorme casi desgarrando su voz, y unos coros que te hacen vivirla como si de un directo se tratase. Seguimos y nos encontramos con el primer momento de oscuridad del disco: “Burn In Hell” es todo teatralidad, casi podemos verla en vez de escucharla, con ese extremadamente pegadizo estribillo, y voz oscura de las estrofas. Increíble ver cómo un ritmo casi alegre, puede convertirse en algo tan oscuro con solo un par de notas y muy buenas ideas en la composición.

A continuación nos encontramos con el momento relativamente más bajo del disco, con la pareja de “Horror-teria; (The Beginning)”, compuesta por dos temas juntos en uno. “Captain Howdy” resulta algo simple, con cierto aire a lo BLACK SABBATH en su riff principal que se lelga a hacer algo pesado pese a lo corto del tema. Por su parte, “Street Justice” es igualmente simple y breve, pero su aire más rockero le da cierta gracia. Tras estos, arranca el tema más grande de la banda en toda su historia. Y no os escondáis, cualquier true-metalero de pro, cualquier “caza-dragones” o el thrasher o blacker más extremo del mundo ha gritado ese: “I Wanna Rock!!!!!”. Y tras el grito de guerra de Snider, no se puede parar de votar o de mover la cabeza con nuestra “air-guitar” y puño en alto. Enorme, sencillo, efectivo... y mítico.

Tras la euforia, TWISTED SISTER nos trae nada más y nada menos que una balada. “The Price” parece sacada de cualquiera de los discos de SCORPION, consiguiendo que se nos pongan los pelo de punta con un par de notas y todo el sentimiento posible. Increíble la comunión entre la voz de Dee Snider y la guitarra de French. Casi no respiramos y se nos echa encima “Don’t Le Me Down”, otro tema contundente con AJ. Pero tremendo al bombo, con su ritmo machacón, aderezado por el aporreo de bajo de Mendoza. Y tras este, volvemos a la oscuridad con “The Beast”, de nuevo teatral y con un riff de nuevo a lo SABBATH, de esos que Tommi Iommy sabe crear con solo cuatro notas repetidas hasta la saciedad. El final del disco llega en forma de dedicatoria de la banda a sus fans con su “S.M.F.”, otro clásico magistral, con unas guitarras enormes y un Snider gamberro como siempre y como nunca.

Es difícil calificar con palabras esta gran obra. Solo puedo recomendáosla si es que nunca os ha dado por echarle el diente. Craso error, que podéis solucionar fácilmente. Eso sí, os recomiendo que os hagáis con una copia del original, y no de la regrabación de 2004 “Still Hungry”, pues pese a que el sonido es notoriamente mejor, pierde.

Tracklist:
1 - Stay Hungry
2 - We´re Not Gonna Take It
3 - Burn In Hell
4 - Horror-teria: (The Beginning)
- Captain Howdy
- Street Justice
5 - I Wanna Rock
6 - he Price
7 - Don´t Let Me Down
8 - The Beast
9 - S.M.F.

Fuente: Metaltotal

Revision de Burzum - Hvis Lyset Tar Oss

Tal vez la mejor forma de digerir a Burzum sea separando estrictamente la obra artística de la persona que la creó, esto porque –y creo coincidir con una gran mayoría de personas aquí– se puede considerar que las opiniones y actos de Varg Vikernes están a medio camino entre lo reprobable y lo llanamente estúpido.

Aunque existe un gran espacio donde se debate el valor de la obra musical de Burzum, lo cierto es que la gran parte de la escena Black influenciada por su sonido, habla por sí sola. Así que lo más cuerdo es remitirnos a los hechos (musicales, por supuesto).

Hvis Lyset Tar Oss (que se traduciría por algo así como “Si la luz nos llevase”) salió al mundo el 15 de mayo de 1994 y fue grabado en el ahora archi legendario Grieghallen Studio. Sobra decir que este álbum es considerado no solo un clásico sino una piedra angular de la segunda ola de Black Metal y es con facilidad la cumbre de toda la discografía de Burzum.

Simple, combinando con delicadeza frialdad y profundo sentimiento, el disco abre con la obra maestra de 14 minutos Det Som En Gang Var (“Lo que hubo una vez”), himno con una de las melodías de teclado mejor logradas en la historia del género, de una melancolía y añoranza absolutas, casi como si la música fuera la manifestación sonora del arte visual de Theodor Severin Kittelsen (renombrado artista noruego, 1857-1914), el cual es usado para ilustrar el disco.

Esta es una obra muy gris y sin embargo nunca evoca frialdad, por el contrario, al igual que la portada –titulada Fattigmannen (El mendigo) del ya mencionado Kittelsen– da la impresión de estar escuchando “una música iluminada tenuemente”, pero que tiene la capacidad de dejar plasmado en el segundo himno (el que da título al disco), una carga de intensidad implacable, muy inteligentemente marcada sobre todo por el genial cambio de batería a los 2:26 minutos, de una simpleza total pero muy efectivo.

La magia se diluye un poco en el tercer track que opta por un acercamiento muy crudo y técnico, alejándose unos pasos del espíritu que hasta ese momento domina al álbum. Esto provoca cierta sensación de desconexión pues los primeros dos himnos son obras maestras absolutas.

El cierre llega con la instrumental y totalmente interpretada con teclado Tomhet (Vacío), un acertado final ambiental sin un solo gramo de maldad u oscuridad, que solo hace pensar en lo que podría haber sido si Vikernes hubiera contado por lo menos con una orquesta de cámara para interpretarla.

Este álbum es considerado por una gran parte de la escena como el mejor en toda la historia del Black Metal, y solo eso basta para darle una cuota de relevancia indiscutible. Una vez más, es necesario recordar que mucho del valor que se le puede dar a esta obra, depende tal vez de poder separarla de la persona de su creador. Sea cual sea la opinión que se tenga, Burzum es hoy un punto clave en la historia del Black Metal, y nos guste o no, de su lugar privilegiado ya nadie podrá moverlo.

Tracklist:
1-Det Som En Gang Var
2-Hvis Lyset Tar Oss
3-Inn I Slottet Fra Droemmen
4-Tomhet

Fuente: Metalicos

Revision de Stratovarius - Polaris

Después de todos los culebrones habidos y por haber con el novelesco Timo Tolkki, en los cuales Stratovarius despareció, apareció y volvió a desaparecer, llega el “nuevo” Stratovarius después de que por fin Tolkki cediera los derechos del grupo a Timo Kotipelto, Jens Johansson y Jörg Michael, quienes junto a Lauri Porra y el nuevo guitarrista Matias Kupiainen, echaran a andar de nuevo a la banda. Stratovarius que no ve una desde Destiny en 1998, aunque para este servidor Infinite fue un buen trabajo, regresan con un disco que servirá como un nuevo comienzo.

Con este material Stratovarius no pretende ser algo que no es, como sucedió con el disco homónimo del 2005 (RESEÑA) y los Elements I y II. Kotipelto y compañía busca retomar la senda de sus antiguos discos, nadie a estas alturas espera que Stratovarius sea algo que no es, pero ¿qué es entonces? un Power Metal finlandés del que hicieron eco decenas de bandas alrededor del planeta, temas melódicos, con el típico doble bombo, la gran importancia de los teclados que se enfrascaba en duelos con la guitarra. El sonido pomposo y grandilocuente tomado del progresivo, pero sin llegar a ser complicado, música fácil de digerir, pero de gran calidad. Bien ya una vez definido que es lo que se espera y sabiendo que es Stratovarius, entremos de lleno al disco.

El abre con Deep Unknown, el tema cuenta con buenos arreglos y una pulcra interpretación, los teclados y las guitarras fundidas en un solo, con el omnipresente doble bombo por parte de Jörg. Arreglos de cuerdas que le dan ese sonido pomposo tan propio de los grandes temas de la banda, pero que no suena a Stratovarius. Con Falling Star realmente nos reencontramos con la banda que esperan todos sus seguidores, melódico a más no poder y con las líneas vocales como elemento fundamental apoyada por esos coros que los caracterizaron, pegajosos hasta decir basta: “Now I ride above the sky / It cannot hold me back / I dive within the deepest / Darkest space See I vanish in the light / You cannot find me there / No one can ever catch / The falling star”

A partir de acá la receta se repite, unos sí y la mayoría no, King Of Nothing, Winter Skies, Somehow Precious, Emancipation Suite I: Dusk, Emancipation Suite II: Dawn y When Mountains Fall son medios tiempos de aires baladescos pero sin gancho, en algún momentos monótonos, si se quiere tediosos y sin el alma de maravillosas canciones de este corte como el caso de 4000 Rainy Nights, S.O.S., A Million Light Years Away, Uncertainty, Distant Skies y muchas otras que hicieron de Stratovarius uno de los grandes exponentes del Power Metal. Esto no quiere decir que sean malas, pero no logran dejarte un recuerdo duradero porque no suenan a Stratovarius.

Caso contrario de Blind, Forever Is Today y Here We Go, que junto a The Falling Star son las que te despiertan y que lograron recuperar en gran parte la esencia del grupo que muchos añoran. Canciones que logran líneas melodías que capturan tu atención, con coros que resultan satisfactorios y coreables, con esa influencia Helloween que marcó el sendero a seguir de las bandas de Power Metal. Temas que levantan tanto en intensidad como en velocidad, sin que sean todas rápidas de pies a cabeza como Speed Of Light del genial Episode, temas con buenos cambios de ritmo y tempo, que nos remiten a sus clásicos.

En general Polaris es un disco que está lejos, que se muestra inconsistente, posiblemente por el hecho de que todos y cada uno de los miembros aportaron temas para el mismo y la diversidad de ideas no se conjuntaron. Por ejemplo en discos como Destiny, Episode y Visions la mayoría de las composiciones estaban a cargo de Timo Tolkki, lo que por consecuencia le daba unidad al sonido. En cambio con Polaris la música corre por cuenta de Matias Kupiainen, Jens Johansson, Timo Kotipelto y Lauri Porra, siendo este último el que más temas compuso.

Nadie pude dudar de la capacidad de Porra, pero es un músico que entró a la banda en 2005, Kotipelto y Johansson son quienes estuvieron en su época dorada, quienes son la esencia de la banda aparte de Tolkki, así que debieron ser los compositores principales y no dejar esto por la libre, lo que causo la ya citada inconsistencia, que no lleva el disco a buen puerto. Esperemos que en un futuro los parámetros sean bien establecidos y se unifiquen criterios. Para fans.

TrackList:
1. Deep Unknown
2. Falling Star
3. King of Nothing
4. Blind
5. Winter Skies
6. Forever Is Today
7. Higher We Go
8. Somehow Precious
9. Emancipation Suite I: Dusk
10. Emancipation Suite II: Dawn
11. When Mountains Fall
12. Deep Unknown (Mikko Raita Vinyl Mix)

Fuente: Metalicos

Revision de Therion - The Miskolc Experience

Seguidores de Therion regocíjense: la dosis anual de esta banda ha llegado con la salida de su “nuevo” trabajo en vivo The Miskolc Experience; y digo nuevo ya que realmente este material fue originalmente filmado en el año 2007 durante la presentación de la banda en el Festival Internacional de Opera en Miskolc (Hungría). Como es ya una tradición Therion nos deleita con un material de alta calidad pero no obstante este material, que en teoría es casi la fantasía de cualquier fan de la banda (verlos tocando en vivo junto a una orquesta) tiene un par de cosas que de alguna u otra manera pueden ser un sinsabor para los más exigentes.

Therion es una banda épica y de eso no cabe duda. En muchos aspectos Christofer Johnsson ha creado una de las agrupaciones pioneras en lo que a Symphonic Metal se refiere y son parte de la alcurnia del sello Nuclear Blast, además de contar con un catalogo muy prolífico que en promedio saca un disco por año ya sea en estudio o en vivo. Además, uno de los factores clave en la alquimia de Therion es la gran calidad de estas entregas tanto a nivel compositivo como en el sonido mismo de las producciones. `

Tomando en cuenta el anterior párrafo los seguidores de la banda pueden estar tranquilos acerca de The Miskolc Experience, ya que a grandes rasgos es todo lo que Therion representa a nivel de calidad. Realmente en este DVD podemos ver el gran nivel que estos suecos han alcanzado, el cual es evidente en la manera en que todos los temas son ejecutados. Este es un Therion que suena sólido y masivo, además la participación de Mats Leven es simplemente cabal lo mismo que la voz de Lori Lewis, que para esta presentación apenas estaba comenzando con la banda. Por otro lado el nivel visual de la producción es sumamente cuidado, con imágenes claras con colores muy vivos filmados en muy alta calidad; la tomas son bastante modestas y sobrias, nunca caen el movimientos vertiginosos lo cual por supuesto acentúa la atmosfera clásica de este concierto.

Lastimosamente este concierto no es perfecto, ya que hay varios puntos que lo retienen de alcanzar la quintaesencia musical. Primero que nada tenemos el setlist, el cual es muy bueno y no cabe duda de ello, pero aparte de los excelentes temas clásicos (Extracto de la Sinfonía 9 de Dvorak), el listado de temas originales de Therion parece un poco demacrado sin la presencia de To Mega Therion, Birth Of Venus Illegitima o mas temas del Secret of The Runes, un álbum que básicamente fue hecho para una ocasión como esta. Por otro lado un par de temas resultan sorprendentes como el caso de Sirius B y ciertamente Via Nocturna, la cual es la primera vez que queda documentada, pero tristemente este tema es uno de los que sufre de otro de los problemas de esta producción: EL SONIDO

Ciertamente el sonido es uno de los caídos en batalla durante la presentación, especialmente durante la segunda parte del recital. En general es excelente y así queda plasmado en temas como The Rise of Sodom And Gomorrah. Pero en casos como Via Nocturna, Draconian Trilogy o Lemuria las voces simplemente son imperceptibles, hay pifias de ecualización o los bajos atiborran los parlantes, lo que hace que se disminuya el efecto épico y colosal que encontramos durante otras canciones.

Tomando todos los detalles en consideración The Miskolc Experience es lo que Therion nos tiene acostumbrados. No hay nada nuevo aquí pero tampoco nada realmente rancio, aunque queda de manifiesto que este material es el último testimonio antes de que la banda comience una nueva era ya sin los hermanos Niemann en sus rangos. Este verdaderamente es el cierre de esa época y junto a Live Gothic concluyen el ciclo de uno de los periodos más prolíficos de Therion y solamente queda esperar el anticipado nuevo disco que saldrá en el 2010; solamente entonces podremos leer una página más en el libro de Therion.

Track List:
Part 1 - Classical Adventures: (44 min.)
01. Clavicula Nox
02. Dvorak: Excerpt from Symphony no. 9
03. Verdi: Vedi! le fosche notturne spotigle from Il Trovatore
04. Mozart: "Dies Irae" from Reqiuem
05. Saint-Saens: Excerpt from Symphony No. 3
06. Wagner: "Notung! Notung! Niedliches Schwert!" from The Ring
07. Wagner: Excerpt from the Overture from Rienzi
8. Wagner: Second part of "Der Tag ist da" from Rienzzi
09. Wagner: First part of "Herbei! Herbei!" from Rienzi

Part 2 - Therion Songs: (66 min.)
01. Blood Of Kingu
02. Sirius B
03. Lemuria
04. Eternal Return
05. Draconian Trilogy
06. Schwartsalbenheim
07. Via Nocturna
08. The Rise Of Sodom And Gomorrah
09. Grand Finale

Bonus Features (DVD only):
- Documentary (20 min.)
- Therion Goes Classic – Bucharest (16 min.)

Fuente: Metalicos

Revision de Amorphis - Skyforger

¡He aquí el ejemplo de una banda que no se detiene! En solo cuatro años Amorphis ha sacado tres, sí, ¡tres álbumes! No es cualquier banda la que, luego de 18 años de existencia, puede sacar tantos álbumes tan seguido, y no solo eso, si no que son álbumes de gran calidad. "Eclipse" fue un gran álbum que marco el inicio del nuevo vocalista "Tomi Joutsen", aparte del cambio de estilo con más influencias electrónicas. "Silent Waters" fue un álbum muy relevante, ya que marcó otro cambio de estilo de la banda, y mostraba a una mucho más madura, con una mejor producción y un estilo más definido. Definitivamente, el álbum del año para muchos. Después, el 29 de mayo de este año, fue lanzado este nuevo álbum de esta gran banda finlandesa, odiada por los que aman su etapa Doom pero no quieren oír cosas nuevas, y querida por los que nos gusta toda su discografía.

La banda mantiene el estilo del Silent Waters, por lo que uno no se lleva la sorpresa del cambio que hubo del Eclipse a ese. En realidad esto no importa mucho, ya que desde el inicio de los apasionados teclados de "Sampo" nos damos cuenta de que estamos ante un gran álbum. En esta canción tenemos grandes riffs y coros, con un ritmo tipo "balada pesada" (si es que eso existe). "Silver Bride" es muy buena, y tiene su propio video (ver aquí) que de hecho es muy bueno, verdaderamente uno se siente transportado con esta canción y sus genial coro.

"From the Heaven of My Heart" es una canción llena de pasión, es también pesada y aunque empieza un poco lenta si tiene partes rápidas; aparte de una melodía en las guitarras y vocales bien melancólica. "Sky Is Mine" es buena, aunque la siento un tanto parecida a las primeras, solo que es un poco más rápida (pero no por ello mala). Eso sí tiene muy buenos solos de guitarras.

"Majestic Beast" nos brinda un cambio que ya sentía necesario, empieza con riffs pesadísimos y una voz Black de Tomi que de hecho da miedo. Se mantiene así, manteniendo sentimientos de suspenso y agonía demoníaca. Esto se ve un tanto arruinado con la entrada del coro con vocales claras, siento que el cambio de melodías (y sentimientos) es muy drástico. La canción es muy buena, pero no sé si a todos les va a gustar.

"My Sun" comienza con un piano totalmente a lo Dark Tranquillity, la similitud con canciones del Fiction es notable (no digo que hayn plagiado alguna, pero si hay bastante similitud). Me gusta mucho la simple combinación entre las guitarras y las vocales que tiene partes de la canción. "Highest Star" es bastante interesante debido a que se siente muy parecida a las otras, pero a su vez es bastante fresca con los cambios de ritmo y los potentes gritos del Sr. Jousten. Después de esto tenemos la canción que le pone título al álbum, "Skyforger". ¡Que excelente canción! Desde el inicio un tanto místico con guitarras acústicas (ya era hora de algo diferente), hasta los coros épicos finlandeses, esta canción es para disfrutarla y oírla una y otra vez. De hecho, esta fue la canción que más me gustó de todo el álbum, y la que más oigo.

"Course of Fate" tiene unas guitarras muy graciosas desde el principio, muy buenos solos que se complementan con magníficos riffs y una base rítmica bien buena. Sin detenerse mucho seguimos, "From Earth I Rose", ¡con una vocales Black potentísimas! Me gustaría que las usaran más, siento que van muy bien con la música, aparte de que son formidables y poderosas. La canción es una gran conclusión, con guitarras y teclados electrónicos ambientales excelentes, además de una batería bastante buena.

La producción la sentí en general. un tanto floja y peor que la de Silent Waters; además hay unos errores de masterización (Nuclear Blast lo admitió), irónicamente solo están en la versión limitada digi-pack (por ser la versión más cara uno en realidad no esperaría esto ). El bajo también me cuesta mucho más escucharlo que en otros de sus álbumes. Admito que necesité unas tres escuchas para que de verdad me empezara a gustar ya que al principio no me gustó mucho, pero no dejen pasar al Kalevala de lado, no dejen pasar a este ¡¡¡"Majestic Beast"!!!

Revision de Lujuria - Licantrofilia

Los segovianos de Lujuria, gran emblema del Heavy Metal español, nos traen en esta ocasión el sétimo álbum en estudio, básicamente estrenando baterista y tecladista, que para esta ocasión el disco se masterizó en una mesa de mezclas casi única y el honor lo tuvo Martín Toledo. Aunque el disco se grabo en los estudio CUBE en Madrid, fue masterizado en Argentina y con respecto al nombre Licantrofilia lo que para Lujuria significa es esto: “hombres lobo llenos de pasión, deseo y rabia”.

El disco inicia con Cae La Mascara, que realmente es un tema bueno y además sirve de critica en contra de la hipocresía, el estribillo dice así:”cae la máscara y nadie es lo que aparenta ser”, y así continuar con Licantrofilia que le da nombre al disco, que no es un tema muy acelerado pero si emblema del Heavy Metal, el mensaje de la canción es muy sexual como siempre lo ha hecho Lujuria, el tercer tema Cuerpo de Mujer es muy acelerado pero logra capturar con un estribillo muy pegajoso, además nos regala un buen solo de teclado y un doble bombo continuo.

Las Tablas De Moi-Sex, que gran canción, para todos aquellos que somos fans de Lujuria esta es la canción que siempre esperamos en un disco de ellos, no hay mucho que decir, solo escucharla y decir, esta canción tiene el sello de Lujuria, el quinto tema Tigresa Blanca es un tema que inicia muy Hardrockero, pero después con el estribillo ya cambia totalmente para así convertirse en un tema completamente Heavy y dar paso a la canción llamada Arañando El Cielo que también se gana el sello de Lujuria, con un coro muy pegajoso que dice así: “Arañando el cielo yo estaré siendo para ti como soñé y mientras tu cantas mi canción entrego mi vida al rock and roll”, el disco nos trae el tema Escúchame que nos saca de lo que Lujuria acostumbra, es uno de los temas amorosos del disco.

El noveno tema Prisionera, quizá sea la canción más floja del disco pero eso no significa que sea una canción mala ya que tiene fuerza, este tema que viene es realmente bueno llamado Viejo Rockero, empieza como una baladita pero logra ese concepto Heavy Metal de Lujuria, con una letra que simplemente se podría describir como un himno y definitivamente se gana el premio como la mejor canción del disco.

Ya al borde del disco se encuentra otro concepto que acostumbra Lujuria y es ese de incluir covers dentro de los discos, en este caso el elegido es Shalom y la canción se llama Que Es Mejor, que sin duda alguna muy bien logrado y además que ellos siempre han sabido escoger cuales son los covers que les queda bien para interpretar, con eso damos paso al último tema que se llama Goliardos que es otro que también se gana el sello Lujuria, la canción tiene una letra muy mitológica pero asi como esta es una gran canción y logra definitivamente un gran cierre para el disco.

Este disco de Lujuria es uno en cuanto a producción uno de los mejores además de estrenar a Maikel en la Batería y a Ricardo Mínguez en los teclados, Oscar Sancho como siempre con esa voz raspada que nunca deja de ser el mismo y le pone ese toque propio a cada canción, sin más, bien por Lujuria, un trabajo muy bien hecho.

TrackList
1. Cae la Máscara
2. Licantrofilia
3. Cuerpo de mujer
4. Las tablas de Moi-Sex
5. Tigresa Blanca
6. Arañando el cielo
7. Escúchame
8. Prisionera
9. Viejo rockero
10. Qué es mejor
11. Goliardos

Fuente: Metalicos

Revision de WARBRINGER - WAKING INTO NIGHTMARES

Puede que entre la vorágine de bandas que invaden cada día nuestros reproductores, el nombre de Warbringer nos parezca un tanto difuso, no es para menos, pero lo cierto es que estamos ante una de las mejores bandas que ha cogido el testigo del Thrash Metal clásico y lo han revitalizado con tan solo dos discos en el mercado. Es cierto que no fueron los primeros en apuntarse al revival del Thrash old school, pero sí de los que suenan más honestos, y ante todo y sobre todo, de los que muestran un alarde de técnica como músicos que no dejará indiferente a ningún seguidor del estilo.

Si hace tiempo que no encuentras un disco de caña que te llegue a lo más profundo de ese perturbado cerebro, cansado de tantos inventos musicales que no hacen más que confundirlo todavía más y , además, tanto sinfonismo barroco y blasbeats desmesurados hacen mella en tu autoestima de metalero, debes enchufarte “Waking Into Nightmares” rápidamente. A los pocos minutos te darás cuenta de que siempre habrá una panda de greñudos dispuestos a no dejarte solo.
En los poco más de cuarenta minutos que dura este nuevo disco de Warbringer solo encontrarás Thrash, Thrash, Thrash!!!!!, incluídos todos los ingredientes que han marcado este estilo musical. En cierta manera, Warbringer tributan el sonido de los mejores Exodus o Death Angel, que forman un espejo perfecto para la banda, los cuales solo tienen que poner la destreza musical (que no es poca) para hacernos viajar por su mundo de caos y descontrol.

Si descontamos la pieza instrumental incrustada en el ecuador del plástico, a imagen y semejanza de algunas de las mejores obras del género, el resto de temas que escucharán tus oídos rebosan tralla por los cuatro costados. Las guitarras brillan especialmente en piezas como “Living In A Wirlwind”, con unos riffs aplastantes al más puro estilo Destruction y algunas aceleraciones y quiebros musicales que te harán levantar los cuernos al aire, sobre todo con el solo de guitarra donde se abusa de palanca para beneplácito de locos como yo. Tenemos más ejemplos en “Swadow From The Tomb”, donde la batería se luce a gusto en un tema de sabor añejo. No menos espectacular es “Severed Reality”, posiblemente el mejor corte, el más extremo de todos y con un regusto a los viejos Exodus más que evidente. Para el directo parece estar diseñada “Sensseles Life” con un comienzo a base de riffs aplastantes acompañadas de un doble (o triple) pedal que acelera poco a poco la canción hasta desembocar en otro solo para relamerse los labios. Que decir del comienzo arrollador con “Jackal”. El thrash más salvaje llega a tus oídos y no es de los temas más destacados…

Si “War Without End” nos llevaba al campo de batalla a lomos de un panzer destructor con el que crear la desolación allí por donde pasara, ahora es el turno de redimir nuestras culpas al despertar y encontrarnos en nuestras propias pesadillas. “Waking Into Nightmares” es la perfecta sintonía para estados tormentosos y de paz perturbada, puro caos deforme y podridamente adictivo.

Fuente: Metal4All

Revision de Hysterica - Metalwar

Imaginemos a cinco hermosas mujeres procedentes de Suecia, hermosamente ataviadas con pequeños shorts o faldas de piel, grandes escotes y medias de red mientras agitan sus hachas y sus rubias cabelleras al ritmo del Metal…

No queridos lectores, no estoy describiendo una de mis fantasías…bueno… en realidad…si, pero en esta ocasión estoy haciendo referencia a la flamante banda de Heavy Metal procedente de Suecia, Hysterica.

Bitchie, Hell’n, RockZilla, SatAnica y Anni De Vil, son cinco chicas que nos traen una muy cuidada producción realizada en los estudios Abyss en Suecia, contando con la colaboración en el mix del Sr. Peter Tägtgren (Pain, Hyprocrisy) demostrando que pueden rockear igual o más que sus colegas masculinos, con un disco lleno de Heavy Metal de “la vieja escuela” lleno de buenos guitarrazos, grandes rasgueos y sobre todo, mucha mucha actitud.

Metalwar es el nombre de esta producción que se encarga de hacernos mover la cabeza desde el inicio. La descriptiva “We Are The Undertakers” abre el disco y de entrada podemos darnos cuenta de la evidente afinidad de la “All Female Metal Band” Hysterica con los Neoyorkinos Manowar, mas no por eso carece de calidad.Riffs bastante alineados que no bajan la potencia en ningún momento se encuentran por doquier.

Canciones como las excelentes “Metalwar” o “The Bitch Is Back” dan pruebas continuas de la calidad de las féminas de Estocolmo. La homónima al disco debut “Metalwar” nos envuelve en grandes riffs y dobles pedales continuos donde la guapa vocalista nos invita a tomar nuestra espada y unirnos a esta batalla metalera, en un excelente estribillo muy bien trabajado en las melodías y los tiempos.

“Heavy Metal Man” y el efectivo cierre “Pain In The Ass” son otros de los cortes que podemos disfrutar una y otra vez. Esta primera en tonos más divertidos, las chicas solicitan a su manera, un Metalero con cabello largo y tatuajes… dónde me apunto?

“Pain In The Ass”, particularmente se caracteriza por el excelente trabajo realizado en los rasgueos y la potencia de la canción de principio a fin.

Algunos cortes me parecen más flojos, como es el caso de “Bless The Beast”, “Louder” o “Devil In Me”, pero en cada uno sin duda, existen grandes destellos de buen Heavy Metal y sobre todo, como lo comentaba anteriormente, mucha actitud.

Un muy buen debut de las hermosas guerreras Hysterica, donde demuestran, que son capaces de Rockear fuerte y patearle el trasero a cualquiera.

WebSite : Hysterica
Fuente: Metalicos

Revision de Candlemass - Death Magic Doom

Con el perdón de bandas como My Dying Bride, Cathedral, St. Vitus, Solitude Aeturnus, Reverend Bizarre, Pantheist, y un larguísimo etcétera, la escena Doom Metal mundial tiene reyes, amos y señores: los suecos Candlemass. Cómo todo en la vida, Leif Edling y compañía podrán haber tenido sus malos momentos, pero su legado, influencia y tesón a lo largo de sus ya 25 años de carrera es incuestionable e innegable.

Y todavía mejor es que la banda, en estos momentos, se encuentra en un punto alto en su trayectoria. Como prueba fehaciente de ello, tenemos para este 2009 su décimo trabajo en estudio, un magnífico álbum titulado “Death Magic Doom”. El mismo, editado el pasado 3 de abril por el sello Nuclear Blast, consta de 8 intensas y vibrantes obras de Heavy/Doom Metal.

“Death Magic Doom” es el segundo disco de Candlemass con su actual cantante, Robert Lowe, quién sustituyese al fugado Messiah Marcolin. El debut de Lowe con Candlemass fue en “King Of The Grey Islands”, un disco que, para los oídos de este servidor, es grandioso. Y aquí es donde viene lo bueno: en mi humilde juicio y opinión, “Death Magic Doom” supera a su anterior obra.

Siendo honesto, no creí que lo hiciesen, y sin embargo, así fue. Candlemass volvió en este 2009 con un disco muy compacto, perfectamente ejecutado, muy bien escrito, y en mi criterio, muy bien balanceado. Esto porque, por supuesto el elemento Doom domina esta producción de principio a fin, pero, sin embargo, Candlemass utiliza para esta ocasión algunos sonidos y variantes un poco más Heavies, lo que dota al álbum de una estructura diferente en el esquema compositivo del grupo, que lo hacen más agradable al oído.

¿Cómo explicar mejor el punto anterior? Hmmmm… la idea es esta: “Death Magic Doom” abre con ‘If I Ever Die’, un tema más rápido de lo normal en el catálogo de Candlemass, lo que sube la energía y la adrenalina. Pasado este tema nos encontramos con ‘Hammer Of Doom’ (tema que originalmente iba a ser el título del álbum, pero dado que un recién estrenado festival europeo tiene el mismo nombre la idea debió desecharse), y el mismo nos receta de golpe toda la esencia y la magia del Doom que solo Candlemass sabe hacer. Un tema vigoroso, pero oscuro, que de inmediato nos adentra a lo que el resto del disco propone. A partir de ahí, cada canción nos regala ese matiz lento, pesado y propio de los suecos.

Pero Candlemass, particularmente Leif Edling, de quién es sabido lleva el peso en la composición de la banda, nos revela que aún tiene esa magia para trabajar y estructurar canciones. Por ejemplo, con el inicio acústico en ‘Demon Of The Deep’ podemos ver como hacer Doom sin necesidad de guitarras eléctricas o el trabajo de batería. Creo yo que eso es lo que destaca a un buen compositor, el saber como brindar variantes y alternativas que le impidan caer en la repetición. Y a lo largo de “Death Magic Doom”, pienso que Edling lo logra. Los cambios de ritmo, cuando se dan, son majestuosos, particularmente el que se da a los 4:15 de ‘Demon Of The Deep’ y a los 4:00 de ‘Hammer Of Doom’, ya que no dejan que el tema se agote, al contrario, les da un nuevo aire y dinamismo a los mismos. Como esos dos ejemplos, hay varios que siento hacen que el álbum no caiga en la modorra y la monotonía, algo que, dado las características del género, es más factible de pasar que en otros movimientos musicales.

Ahora bien, para todos aquellos que dicen que Candlemass sin Marcolin no es Candlemass, déjenme decirles que, en mi humilde criterio, no podrían estar más equivocados. Marcolin y Lowe tienen su estilo propio, eso está más que claro, y me parece que las diferencias entre uno y otro son notorias, pero Lowe ha sabido, a base de trabajo, ganarse su puesto en la historia del grupo. Su patrón, tono y estilo cae como anillo al dedo al carácter del grupo. Sus vocales en “Death Magic Doom” son mucho más que competentes, en especial en coros de temas como ‘Dead Angel’, ‘The Bleeding Baroness’, o ‘If I Ever Die’. Pero no solo en los coros Lowe se luce, ya que su trabajo a lo largo del disco se mantiene a la altura de las composiciones.

En fin… creo que ya se dieron cuenta que me inclino y me quito el sombrero ante “Death Magic Doom”. Y por difícil que parezca, este nuevo disco es mejor que su anterior “King Of The Grey Islands”. Lo único negativo que le encuentro es la portada, bastante rala para mi gusto, considerando los excelentes trabajos que habían tomado para discos como “Nightfall”, “Ancient Dreams” o “Tales Of Creation”, pero bueno, eso no demerita lo excepcional que “Death Magic Doom” es. Es un disco que cada vez que lo escucho me gusta más, y eso lo convierte en un serio y firme candidato para Disco del Año en el Top 20 de metalicos. Falta todavía un buen trecho para que termine el año, pero sinceramente creo que va a costar que para mí le quiten ese título… If I ever die… The stars will drop from the sky… The gods will mourn me and cry.

Fuente: Metalicos